Forte de son succès lors du Festival Taste Korea 2023, le Centre Culturel Coréen prolonge sa toute nouvelle exposition immersive en vidéo mapping intitulée « Dans le cœur de la vague » jusqu’au 30 septembre.
Cette exposition, véritable escapade en Corée du Sud, présente les œuvres digitales des studios graphiques coréens « d’strict » et « davvero art », ainsi que celles de quatre autres artistes talentueux : Kang Yiyun, Min Joonhong, Kohui et Hyun Jiwon.
Les six œuvres présentées promettent une parenthèse tout en fraîcheur pour l’été, invitant le visiteur à découvrir la deuxième ville de Corée et ses merveilles maritimes :
“Aurora Beach” – d’strict : une fusion envoûtante du son apaisant des vagues et d’une symphonie de lumières. Cette création du studio de design digital d’strict, reconnu pour ses projets primés tels que « Wave » à Séoul et « Waterfall-NYC” à Times Square à New York, offre une expérience à la fois esthétique et apaisante.
“Waves of Lights in Busan” – davvero art : ce studio coréen talentueux capture avec brio la splendeur lumineuse de Busan. À travers cette création digitale, il met en avant les symboles emblématiques de cette ville côtière tels que le pont Gwang-an, les fleurs de camélia et les feux d’artifice du Festival international. davvero art excelle dans la création de contenus numériques interactifs, de projections en mapping vidéo, de réalité virtuelle et d’animations 3D, mettant en valeur le riche patrimoine culturel coréen.
No Mother Nature 3.0″ – Kang Yiyun : présentée lors d’une exposition d’art digital organisée par la mairie de Busan, cette œuvre de Kang Yiyun offre une vision multidimensionnelle du dynamisme de la nature et des êtres qui la peuplent. L’artiste exprime la magnificence de la nature tout en soulignant la nécessité de la percevoir au-delà de sa simple personnification. Kang Yiyun, artiste et professeure à la prestigieuse université coréenne KAIST, a participé à des projets artistiques internationaux de renom, dont les biennales de Venise et de Shenzhen, CONNECT et BTS. Ses œuvres sont exposées et conservées au Victoria and Albert Museum de Londres.
« Real Time Purgatory » – Min Joonhong : Min Joonhong crée une œuvre originale inspirée de la mer, de la ville, de la nature et des êtres en harmonie à Busan. Son œuvre, réalisée en collaboration avec la start-up artistique Adler, incarne la mutation constante et le développement de la cité portuaire, repoussant les limites de la connaissance humaine. Min Joonhong, artiste formé à Séoul et à Londres, s’inspire des deux capitales pour créer des œuvres pluridisciplinaires explorant la culture, les paysages et les acteurs du monde.
“Horizons” – Kohui : cette création offre une interprétation unifiée et personnelle des multiples facettes de la mer bordant Busan, transportant les spectateurs vers de nouveaux rivages créatifs tout en évoquant des souvenirs intimes. En tant qu’artiste sonore, Kohui a participé à des expositions et performances artistiques nationales et internationales, ainsi qu’à des expositions collectives renommées : WeSA Festival en 2016 et 2018, MUTEK MONTREAL en 2021, ACT FESTIVAL en 2018 et 2022, Seoul International Computer Music Festival en 2022.
“The Harbour (edited version)” – Hyun Jiwon (Illustration de l’article) : un symbole de la rencontre contemporaine entre graphismes modernes et musique folklorique. En collaboration avec Mok Kilin, un talentueux flûtiste de piri, et Kim Moobin, héritier du chant folklorique du nord-ouest de la péninsule coréenne, l’artiste conte aux visiteurs un récit captivant sur Busan, allant au-delà des spécificités géographiques et historiques de la ville. Hyun Jiwon, également connue sous le pseudonyme “z1″, explore à travers son travail artistique des thèmes tels que la méditation, la communication et la progression, mettant en valeur les relations humaines, la culture et l’environnement. Son talent artistique a été reconnu lors d’expositions à Séoul, Milan et à l’aéroport d’Incheon.
Rendez-vous du lundi au vendredi, de 10h à 18h et le samedi de 14h à 18h au Centre Culturel Coréen – 20 rue la Boétie – 75008 PARIS (arrêt : Miromesnil).
Réservation conseillée sur : www.coree-culture.org – Entrée gratuite
The Room Projects a le plaisir d’annoncer, du 14 au 21 septembre 2023, l’exposition personnelle de l’artiste Maria Di Stefano, intitulée THIS IS US – PARIS
À cette occasion, Maria Di Stefano présentera une sélection de photographies inédites réalisées lors de sa résidence d’un an à Paris. Ces images sont le résultat de la poursuite d’un projet né à Rome en 2021 sous le commissariat de Veronica He. THIS IS US est un vaste projet photographique mettant en scène des personnes, des lieux et des relations. Les images racontent l’histoire de 20 adolescents, qui partagent le passé migratoire de leur famille et qui, par conséquent, ne peuvent demander la nationalité française avant l’âge de 18 ans. THIS IS US – PARIS est un projet réalisé grâce au soutien de l’Italian Council (11e édition, 2022), le programme pour la promotion internationale de l’art italien de la Direction Générale de la Créativité Contemporaine du Ministère de la Culture.
Maria Di Stefano est une artiste pluridisciplinaire italienne. Après avoir obtenu une licence en histoire de l’art à la Sorbonne à Paris et un master en beaux-arts à l’UCA de Canterbury, elle s’est installée aux États-Unis pour travailler comme assistante photographe de Richard Kern à New York et comme artiste en résidence au sein de l’Esmoa à Los Angeles. En 2021, le projet THIS IS US a remporté la bourse Lazio Contemporaneo dédiée aux jeunes artistes de Rome. https://www.instagram.com/mariacomesinblue/
THIS IS US – PARIS
Du 14 au 21 septembre 2023
The Room Projects
https://theroomprojects.com
47 Rue de Montmorency, 75003 Paris
Ouvert tous les jours de 10h à 19h
Pionnier de l’art urbain français comme Miss Tic ou Speedy Graphito, Jérôme Mesnager célèbre cette année les quarante années d’existence de son « corps blanc ». Pendant ces quelques dizaines d’années, il a recouvert les murs de nos villes ainsi que de nombreuses toiles. Le « corps blanc » a évolué et grandi avec nous. Cette rétrospective rend hommage à cette icône du street-art.
Exposition du samedi 03 juin au samedi 08 juillet 2023
Vernissage samedi 03 juin 2023 à partir de 14h En présence de l’artiste
En marge de la sortie du film événement de Martin Bourboulon, Les Trois Mousquetaires : D’Artagnan, le 5 avril 2023, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé ravive l’œuvre entière d’Alexandre Dumas. Tous les espaces de la Fondation seront dédiés à l’auteur pour accueillir une exposition inédite et grandiose (Dumas à l’écran, de l’aventure à la démesure, du 22 mars au 15 juillet 2023), une rétrospective de films d’Alexandre Dumas père et fils en ciné-concert (Dumas à l’écran, de l’aventure à la démesure, du 22 mars au 25 avril 2023), des animations pour le jeune public et un cycle de conférences exceptionnelles. Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, 73 avenue des Gobelins, 75013 Paris
A l’invitation de la Fondation Desperados pour l’Art Urbain, l’artiste-curateur Gaël Lefeuvre a convié 11 artistes internationaux parmi les plus avant-gardistes de la scène urbaine actuelle pour produire dans une ancienne fabrique industrielle du 11ème arrondissement de Paris, une exposition immersive et gratuite sur plus de 3 000 M2. SUPER TERRAM (hors sol en latin) se présente comme une allégorie de nos vies contemporaines artificielles en perte de repères face à la Nature et aux éléments qui constituent l’existence. Les artistes en donneront leur interprétation à travers une diversité d’oeuvres organiques et évolutives parmi lesquelles des sculptures, des peintures, des installations, visuelles et sonores, ainsi que des oeuvres d’art numérique, toutes réalisées in situ. (Du 10.02 au 19.03 2023)
Artistes : Michael Beitz (Etats-Unis), Matteo Berardone (Italie), Gonzalo Borondo (Espagne), le collectif CELA (France), A. L. Crego (Espagne), Germain Ipin (France), Joaquín Jara (Espagne), Amir Roti (France), Seth (France), Axel Void (Etats-Unis) et Addam Yekutieli alias Know Hope (Israël).
Le musée Marmottan Monet présente du 8 mars au 18 juin 2023 l’exposition « Néo-Romantiques. Un moment oublié de l’art moderne 1926-1972 ». Près d’une centaine d’œuvres, issues de collections privées et publiques seront réunies pour faire (re)découvrir l’un des premiers mouvements post-modernes fondé sur la remise en cause de l’abstraction et sur le retour à la figure. Sous le commissariat de Patrick Mauriès, l’exposition mettra à l’honneur les artistes ayant participé à ce courant, tels que le français Christian Bérard (1902-1949), les russes Pavel Tchelitchew (1898-1957), Eugène (1899-1972) et Leonid Berman (1898-1976) et le hollandais Kristians Tonny (1907-1977). D’abord réunis à Paris, dans les années 1920, ces derniers vont participer à la scène artistique américaine, anglaise et italienne créant des ponts entre Picasso, le surréalisme, les figuratifs du XXe siècle et les arts vivants pour lesquels ils créèrent des spectacles mémorables… https://www.marmottan.fr
Eugène Berman (1899-1972)
Italian Symphony, Scene IV, Saltenello 1939
Gouache et encre sur papier, 24,4 x 38,1 cm
New-York, Michael Rosenfeld Gallery
@ Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC
Gaby Sahhar, jeune artiste d’origine franco-palestinienne basé.e à Londres, présente, jusqu’au 9 janvier 2023, un projet inédit inspiré de l’œuvre d’Otto Dix qui a mis à nu les maux de la société du début du XXe siècle, des pages du manga futuriste dystopique japonais Ghost in the Shell et des personnages des clips vidéo d’Arca. Pour pièce maitresse de ce projet, Gaby Sahhar a notamment imaginé un immense panorama de 7 mètres de long réalisé à la peinture à l’huile qui dépeint des expériences urbaines au cœur des sites de transit des métropoles occidentales. Iel explore une pratique interdisciplinaire, en s’intéressant aux espaces publics « anonymes » pour attirer l’attention sur des vies de personnes dont la différence est souvent encore sanctionnée.
Exposition à découvrir jusqu’au 9 janvier 2022 au nouveau flagship The Kooples : 93, avenue des Champs-Elysées (métro George V) – en accès libre https://www.thekooples.com
Dans le cadre de l’exposition « Habibi, les révolutions de l’amour », l’Institut du monde arabe dédie la journée du samedi 19 novembre 2022 aux cultures queers du monde arabe. Au programme entre 11h et 5h du matin : atelier de danse, conversation, projection, visite guidée et soirée clubbing autour des thèmes LGBTQIA+ et queers. À partir de 22h, l’Institut du monde arabe invite Paris is Dancing pour une soirée inédite, avec Kiddy Smile en DJ guest star. La scène voguing parisienne sera mise en lumière grâce à vingt artistes et performers queers, gays et trans invités pour l’évènement festif et culturel « House of Habibi ».
HOUSE OF HABIBI OFFICIAL TRAILER
Programmation du samedi 19 novembre à l’Institut du monde arabe :
11h – Masterclass de « Body Positive » avec Maud Amour
15h - Visite de l’exposition « Habibi, les Révolutions de l’amour » avec l’artiste Tarek Lakhrissi / « Ecrire et dire le corps, rencontre et débat » par le CLCA
18h – Séance de cinéma « Baghdad in my Shadow »
20h – 22h - Nocturne de l’exposition « Habibi, les Révolutions de l’amour »
22h – 5h - Soirée « House of Habibi »
HOUSE OF HABIBI
Direction artistique :
Tim Zouari
Danseurs :
Vanina House of Ninja
Sky Ninja House of Ninja
LaLa Moon House of Royalty
Et, certainement, des invités surprises…
Musique :
Kiddy Smile
Rebequita Rinse France
Tim Zouari Paris is Dancing
Jacky Cohen
INSTITUT DU MONDE ARABE
1, rue des Fossés-Saint-Bernard
Place Mohammed V
75005 Paris www.imarabe.org
La galerie Idea Paris Design et le Psychedelic Art Center s’unissent pour une rare exposition présentant différentes facettes de l’esthétique colorée et créative des années 1970. Un mélange de contre-culture surréalisme et spiritualité s’affiche en plusieurs sections d’oeuvres rares : musique, art, lumière noire, 3D, publicité, presse, posters, etc. Quelques artistes contemporains rafraichissent cette sélection, tandis que de nombreux goodies à petit prix complètent les œuvres exposées.
Au cœur du quartier Montorgueil à Paris, Idéa est une galerie spécialisée dans le mobilier et les objets design des années 50,60 et 70. La collection du Psychedelic Art Center est la plus grande en Europe sur l’art inattendu. Elle se compose de 8000 pièces d’une grande variété de médiums et de tous pays. Celle ci est exposée et prêtée plusieurs fois par an, 80 expositions à ce jour, afin de créer le premier Centre d’Art Psychédélique au monde. 58 Rue Greneta, 75002 Paris (jusqu’au 22 novembre)
Cohle Gallery présente Génération Do, la nouvelle exposition personnelle de Geoffrey Bouillot. A travers cette exposition, empreinte de nostalgie et s’inspirant de la pop culture japonaise et française des années 90, l’artiste examine comment ces éléments culturels influencent nos psychés même des années plus tard ; ses œuvres constituant en quelque sorte un point de rencontre entre la mémoire et le présent. On peut dire que d’une façon ou d’une autre le Club Dorothée a eu un impact non négligeable sur le travail mais également la vie de Geoffrey Bouillot. En choisissant ce titre « Génération Do », l’artiste rend hommage à ses premières influences d’animation des années 90, en créant également un lien de mémoire visuel avec toutes ces personnes qui comme lui, maintenant adultes, font partie de cette génération. Dans cette exposition, nous aurons la possibilité d’entrevoir des personnages connus des séries japonaises (Sailor Moon, Dragon Ball Z…). L’exposition aura lieu du 13 octobre au 5 novembre à la Cohle Gallery Paris, 7 rue d’Argenteuil, 75001. Le vernissage se déroulera le jeudi 13 octobre en présence de l’artiste.
L’exposition « Harmonics of the Night » est née de la première collaboration entre le photographe et guitariste anglais Andy Summers et Polka. L’artiste immortalise dans un premier temps sa vie de rock star à l’occasion de ses tournées avec le groupe The Police. Une partie des photographies de l’exposition « Harmonics of the Night » montre l’énergie délirante des spectateurs, les villes animées au programme de la tournée, la vie du groupe et ses excursions nocturnes… Andy Summers nous fait entrer sur scène et dans les coulisses du groupe, monter à bord du bus lors des trajets entre deux concerts, et profiter des moments de répit entre les shows. « Faire partie d’un groupe, c’est vivre comme dans un sous-marin », raconte-t-il aujourd’hui. La photographie lui apporte un nouveau souffle.
Cour de Venise, 12, rue Saint-Gilles, 75003 Paris
+33 1 76 21 41 31
www.polkagalerie.com
À partir du 22 septembre, Fort Gansevoort présentera The Tip of the Iceberg, sa première exposition solo avec Dawn Williams Boyd dans les locaux de la galerie à New York. Avec douze nouvelles œuvres à grande échelle, cette présentation coïncide avec la dernière étape de l’exposition muséale itinérante de l’artiste, Dawn Williams Boyd : Woe, présentée au Sarah Lawrence College à Bronxville, New York. Les « peintures sur tissu » de Dawn Williams Boyd établissent un récit sociopolitique puissant et sans complaisance à partir de textiles. Utilisant le tissu comme pigment, elle superpose et assemble des souvenirs personnels, des documents historiques et des références politiques pour remettre en question les récits communément acceptés. Ses scènes sont peuplées de personnages grandeur nature et rendues avec des textures élaborées et des motifs ornés, évoquant le riche héritage du matelassage et du collage que la critique Sasha Bonét a décrit comme la « pratique historique de l’imagination noire » – mais ici avec une différence : Boyd établit un langage visuel unique qui lui est propre dans le cadre des traditions plus larges de la couture, en employant des matériaux inattendus tels que des perles, des paillettes, des cauris, des lacets, des rubans de soie et des peintures acryliques. Elle livre une vérité figurative façonnée à partir d’une transformation astucieuse de fibres ordinaires, présentant au spectateur une interprétation contemporaine de la narration visuelle.
Dawn Williams Boyd
The Tip of the Iceberg
September 22 – November 19, 2022
5 Ninth Avenue NYC https://www.fortgansevoort.com
Pour leur exposition personnelle à la galerie Les Filles du Calvaire, les Bells Angels présentent une nouvelle série de peintures intitulée Crowd Processing Paintings. Ce titre aux accents prédictifs joue aussi bien sur l’impact algorithmique des images de foule que sur une histoire des techniques de reproduction. Il rappelle en effet celui d’articles scientifiques visant à développer de nouveaux algorithmes capables de traquer l’individu dans une image de foule et d’anticiper ses mouvements, son comportement.
FUTURE IMPACT
9 au 24 septembre 2022 Vernissage le jeudi 8 septembre (18h30 – 21h)
FUTURE IMPACT II
8 au 22 octobre 2022
Vernissage le vendredi 7 octobre (18h30 – 21h)
Changement d’accrochage entre les deux expositions.
The Bells Angels, CROWD PROCESSING PAINTINGS, Série en cours 2019 – 2022
162 x 130cm – acrylic black, white & silver on canvas
Galerie Les filles du calvaire 17, rue des Filles-du-Calvaire 75003 Paris 01 42 74 47 05 www.fillesducalvaire.com paris@fillesducalvaire.com
Vénéré au Japon comme une figure de proue de l’art d’après-guerre et le précurseur des mouvements Pop et Superflat japonais, Keiichi Tanaami, 86 ans, dévoilera une suite éblouissante de nouvelles peintures à grande échelle lors de sa première exposition avec Venus Over Manhattan. L’art de Tanaami est célèbre pour son approche débridée des formes, l’intensité de ses couleurs et ses couches presque vertigineuses de références culturelles astucieuses allant de l’ukiyo-e à Disney. Cette exposition, la première de l’artiste à New York depuis 2016, présentera également de nouvelles animations aux côtés d’une douzaine de toiles monumentales, en prélude à la prochaine tournée muséale européenne de Tanaami en 2023/2024.
Keiichi Tanaami
September 8 – October 8, 2022
Venus Over Manhattan, 55 Great Jones Street NYC https://www.venusovermanhattan.com
https://www.instagram.com/keiichitanaami_official
Béton Le Havre est de retour pour une quatrième édition au coeur de la porte Océane. Le festival situé dans le cadre architectural classé, propose une programmation futuriste équilibrée entre rap et électronique ; assortie aux fameuses ‘Balades Béton’ axées autour de l’architecture de la ville, la photographie, la gastronomie, l’illustration ainsi que des ateliers en tout genre : street-art , skate mais aussi activités pour les enfants. Au total une trentaine de balades et conférences sont prévues pour arpenter et (re)découvrir la ville.
ESPLANADE NELSON MANDELA
50 QUAI DE SOUTHAMPTON
76600 LE HAVRE
15H – 01H
LES MINEURS DOIVENT ÊTRE ACCOMPAGNÉS
Après cinq ans de travaux, le prestigieux Hong Kong Palace Museum (HKPM) a ouvert ses portes le 3 juillet, l’un des nouveaux hauts lieux de l’offre artistique et culturelle de Hong Kong et du quartier culturel de West Kowloon. Rejoignant un large éventail d’autres attractions emblématiques sur le front de mer de la baie Victoria, telles que le M+ récemment ouvert et le Hong Kong Museum of Art récemment rénové, le HKPM ne fait pas qu’allonger la liste des musées de renom de la destination, il enrichit également la diversité de sa scène artistique et culturelle. Par ailleurs, chaque nuit de juillet, la très appréciée « Symphonie de lumières » baignera la baie Victoria de lumières, de musique et de couleurs avec une édition spéciale, enchanteresse.
Le HKPM abrite l’une des plus impressionnantes collections de céramiques chinoises au monde et plus de 900 œuvres d’art prêtées par le prestigieux Palace Museum de Pékin, parmi les plus grandes et les plus belles que le Palace Museum n’ait jamais offertes à une autre institution culturelle en dehors du continent depuis sa création. Le HKPM présente également 13 pièces précieuses prêtées par le Louvre, témoignant du rôle du musée en tant que centre d’échanges culturels internationaux entre l’Est et l’Ouest.
La MEP présente Le langage silencieux, une exposition collective inédite à Aix-en-Provence dans le cadre du « Grand Arles Express ». Constituée d’une cinquantaine d’œuvres iconiques du 20e siècle et issues de sa collection, cette exposition propose d’explorer les différents types de relations qui existent entre le photographe et son modèle.
Mettant en regard l’œuvre de photographes de différentes époques et origines géographiques, l’exposition présente autour de cette thématique des images de Diane Arbus, Harry Callahan, Donigan Cumming, Philip-Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Nan Goldin, Emmet Gowin, Bertien Van Manen, Robert Mapplethorpe, Ralph Eugene Meatyard, Helmut Newton, Martin Parr, Man Ray, Bettina Rheims, Alice Springs ou encore Henry Wessel, toutes issues des collections de la MEP. Organisée en collaboration avec le département des Bouches-du-Rhône, l’exposition se tiendra dans l’espace départemental du 21 bis Mirabeau, à Aix-en-Provence, du 6 juillet au 23 octobre 2022. Le commissariat est assuré par Clothilde Morette, chargée d’exposition à la MEP.
La Galerie de l’Institut propose, dans ses deux espaces parisiens rue de Seine et rue des Beaux-Arts, une exposition-événement sur la sculpture de Picasso, réunissant quelques-uns des jalons les plus importants de son œuvre en trois dimensions.
Plus de 70 sculptures (de 1905 à 1962), accompagnées de 35 dessins et tableaux, sont réunies pour la première fois dans une galerie parisienne. Certaines d’entre elles seront mises en vente à cette occasion. Répartie en deux grands thèmes – la figure (rue des Beaux-Arts) et le bestiaire (rue de Seine) –, l’exposition « Picasso. Sculptures 1905-1962 » couvre la diversité de l’activité de l’artiste. Parmi les œuvres exceptionnelles, le public pourra notamment découvrir la première sculpture cubiste du corpus de l’artiste, une Tête de femme (Fernande), ainsi que deux têtes magistrales en tôle découpée, pliée et peinte de 1961. Il s’agit pour ces deux dernières d’un prêt exceptionnel. La célèbre Guenon et son petit présentée rue de Seine surprendra également le public.
Galerie de l’Institut
3Bis rue des Beaux-Arts 75006 Paris
+33 (1) 55 42 62 42 • galerie-institut.com
La végétalisation urbaine est un levier fondamental pour lutter contre la violence des effets du réchauffement climatique. Face aux vagues de chaleur successives, les villes ont tant à apprendre de la Nature, afin d’améliorer la santé des futures générations de citadins mais aussi la qualité de leur environnement, en restaurant notamment la biodiversité au cœur des villes grâce aux forêts urbaines.
Timberland crée l’événement pendant la Tortona Design Week en installant une forêt flottante multisensorielle sur la Darsena. Cette expérience immersive, sobrement baptisée Timberland, entend sensibiliser les nouvelles générations qu’elle équipe et inspire à changer le monde. À travers cette œuvre phygitale, la marque renforce son engagement pour la revégétalisation des espaces urbains et la circularité, tout en s’offrant une plateforme d’expression impactante pour mettre en avant ses toutes dernières éco-innovations.
Dans une ambiance mêlant nature et technologie, le public pourra s’immerger dans l’univers de Timberland et profiter d’une œuvre éphémère inédite imaginée par le studio de création italien multidisciplinaire Stefano Boeri Interiors. Composé du talentueux architecte urbaniste Stefano Boeri et de Giorgio Donà, le duo s’est à de nombreuses reprises démarqué grâce à sa vision unique de l’occupation et de la transformation d’espaces urbains en faveur de la responsabilité environnementale par le design sous toutes ses formes.
L’installation accueillera les visiteurs au cœur de Milan en Italie du 7 au 12 juin 2022 de 10h00 à 22h00 (Darsena – Viale Gabriele D’Annunzio, 20). Pour les absents de Milan, l’expérience sera également disponible ICI.
La Bim Bam Gallery a le plaisir de présenter « The Last California Paintings », la première exposition personnelle de Richard Colman en France. Le titre de l’exposition fait référence au fait que l’artiste, basé à San Francisco, a entamé un nouveau chapitre de sa vie en déménageant son atelier de Californie au Connecticut. Cela l’a inspiré à approfondir sa pratique actuelle tout en mélangeant des éléments de ses premières années californiennes.
Exposition du 7 au 28 mai
Du mardi au samedi, de 11h à 19h
Galerie Bim Bam, 7 rue Saint Claude, 75003 Paris http://www.bimbam.gallery
Le peintre Somsak Hanumas, représenté par Asiart Gallery (qui bénéficie d’une exclusivité mondiale sur son œuvre), a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center au Palazzo Bembo, durant la Biennale de Venise qui se déroulera du 23 avril au 27 novembre 2022. Le peintre thaïlandais est en train de devenir une véritable référence parmi les artistes émergents de l’art contemporain. Depuis bientôt 10 ans, ses toiles sont présentes dans de nombreuses fondations et chez des collectionneurs du monde entier. Chaque œuvre de Somsak Hanumas s’inscrit de fait dans l’espace qui lui est destiné, comme une évidence de son but, de son besoin de présenter aux regards une représentation.
« Lorsque je crée, j’ai l’impression d’enfin pouvoir m’exprimer, en peignant librement, en étant pleinement en accord avec mes émotions, mes sentiments et mon imagination à travers chacune de mes œuvres. »
Four You Gallery, qui met à l’honneur les femmes dans l’art contemporain, présente la nouvelle exposition de l’artiste londonienne Dannielle Hodson en exclusivité à Paris. Dannielle Hodson est une artiste britannique née en 1980. Aujourd’hui, elle vit et travaille à Londres. Hodson fait ses études à Central Saint Martins (University of the Arts London) avant d’être diplômée du programme spécialisée dans la peinture contemporaine de Turps Banana Studio.
Son travail a fait l’objet d’expositions individuelles et collectives dans des galeries et des institutions publiques, dont «Dannielle Hodson : Another Kind of Life» avec Four You Gallery en 2021, «Miniscule Venice» en association avec Cross Lane Projects à l’occasion de la 58e Biennale de Venise en 2019, «An Art School», Tate Exchange at Tate Modern en 2017 et le National Open Art Competition en 2016 à Mercer’s Hall, où elle remporte le Roy Pace Award. Elle est également membre du conseil d’administration de l’association caritative d’art contemporain «Outside In».
Exposition du 27 avril au 8 mai 2022
https://fouryougallery.com
80 rue de Turenne – Paris 3
Vernissage / Mercredi 27 avril 2022 de 18h à 21h30
Illustration: A Tolerance for Indeterminacy, 2022 – Huile sur toile – 190 x 180 cm
Polka et 37 photographes se mobilisent et organisent une vente en ligne solidaire pour venir en aide aux 4 millions de réfugiés ukrainiens. Cette vente en ligne se tiendra sur trois jours sur le site de la Polka Factory les 8, 9, 10 avril 2022. Les bénéfices seront reversés à la Fondation de France pour venir en aide aux populations civiles.
“L’idée nous est venue quand l’un de nos artistes, le Russe Alexander Gronsky, m’a demandé de vendre ses photos pour aider ces familles victimes de la guerre, explique Adélie de Ipanema, la fondatrice de Polka. Quand l’idée est si bonne, on se dit pourquoi s’arrêter à un seul formidable photographe quand on a la chance de travailler avec de si beaux artistes que ceux que nous avons à Polka! ”. Les œuvres, dont les prix varient de 90 à 8.500 euros en fonction des cotes des artistes, seront disponibles sur le site de la Factory Polka à partir du vendredi 8 avril à partir de minuit et jusqu’au dimanche 10 avril 23h59. Certaines pièces sont numérotées et d’autres en édition ouverte.
Illustration : ALEXANDER GRONSKY ENDLESS NIGHT #3
Date de la prise de vue: 2009
Date du tirage: 2021
Format papier: 90 x 110 cm
Format de l’image: 80 x 95 cm
Procédé du tirage: Tirage pigmentaire sur papier Fine Art
Tirage signé, titré, daté et numéroté sur un label au verso.
90 x 110 cm, édition de 7 + 2 AP
Seulement un exemplaire est mis en vente lors de ces trois jours exceptionnels.
Polka Galerie
https://www.polka.paris
Cour de Venise, 12 Rue Saint-Gilles, 75003 Paris
La galerie Les filles du calvaire présente l’exposition personnelle du photographe américain Todd Hido, The Black Mechanism. L’artiste revient à Paris avec un ensemble d’images inédites et puissantes, prises au États-Unis cette année. Les paysages photographiés par l’artiste font état d’un monde désolé et sombre, au bord d’une pénombre dont on pressent qu’il peinera à s’extirper. Ce nouveau corpus est également entremêlé de portraits de femmes aux expressions inquiètes, suggérant elles aussi la noirceur ambiante.
Exposition du 17 mai au 18 juin 2022
[ Vernissage samedi 14 mai 2022 (15h – 20h) ]
Alors que se multiplient les tentatives de polarisation de la pensée, l’exposition Silsila, le voyage des regards, présentée du 31 mars au 31 juillet 2022 par l’Institut des Cultures d’Islam, interroge tout en nuances les notions de transmission et de représentation à travers les œuvres d’artistes qui vivent en France et dont l’histoire personnelle ou familiale s’inscrit dans un parcours migratoire.
Silsila (« la chaîne » en arabe) évoque les liens de filiation qui unissent les êtres ou les événements, suite de maillons singuliers mais indissociables, comme autant de destinées entrelacées. Tissant délicatement les fils de leurs origines, les artistes alternent les médiums et les registres, la figuration et l’abstraction, pour convoquer des imaginaires renvoyant à l’intime et aux souvenirs, aux symboles et aux rituels. Ils explorent l’histoire de l’art et la poésie, analysent l’héritage au sens propre comme au figuré et affirment des identités féminines en mouvement, dépassant les normes de la tradition. Entre passé et présent, ici et là-bas, leurs œuvres invitent à un voyage des regards dans le temps et dans l’espace.
L’exposition s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire qui met les femmes à l’honneur : conteuses de légendes du Liban, du Mali, d’Algérie et du Maroc à l’occasion du Ramadan, chanteuse revisitant le patrimoine mandingue, conférences avec des artistes issues de la diversité témoignant de leur parcours ou détournant les codes de l’orientalisme… Sans oublier ciné-goûters, spectacles et ateliers de pratique artistique pour le jeune public.
Du 31 Mars au 31 Juillet 2022
ICI Stephenson : 56, rue Stephenson – 75018 Paris
ICI Léon : 19, rue Léon – 75018 Paris
ouvert du mardi au dimanche de 11h À 19h sauf le vendredi de 16h à 20h fermé le lundi et les jours fériés.
La galerie Les filles du calvaire présente une nouvelle exposition de l’artiste américaine Kate MccGwire du 29 mars au 7 mai 2022. L’exposition comprendra des sculptures, des pièces murales et une installation monumentale, mettant en évidence l’intérêt soutenu de l’artiste pour la nature et sa méditation personnelle sur la vie au bord de l’eau.
Célèbre pour son répertoire de formes tortueuses et robustes, Kate MccGwire invoque la sculpture classique et les créatures de la mythologie. Influencées par les cycles, les motifs et les courants de l’eau, les œuvres de l’exposition explorent les relations conflictuelles entre nature et construction humaine…
Une exposition incroyable organisée par Moleskine et la fondation Moleskine qui présentera au Palais de Tokyo, au Bon Marché et chez Ground Effect une collection exclusive d’œuvres d’arts créées à partir des célèbres carnets.
Depuis des dizaines d’années la fondation Moleskine collecte ces œuvres offertes par des artistes reconnus du monde entier (écrivains, peintres, architectes, musiciens..). Aujourd’hui, plus de 1300 œuvres composent cette collection inédite.
L’exposition rentre tout juste de Shanghaï où elle a reçu un magnifique accueil, arrive à Paris le 9 février et repartira ensuite pour Londres, puis New York. A chaque passage dans une nouvelle ville, elle invite des artistes locaux de la jeune génération à enrichir la collection : plus de 35 jeunes artistes parisiens sélectionnés par Ground Effect et Moleskine vont venir compléter l’exposition parisienne. Cette exposition est l’occasion de revenir sur l’histoire du carnet Moleskine : comment ces petits carnets en moleskine qui ont servi à Picasso ou Van Gogh sont toujours autant plébiscités aujourd’hui par les nouvelles générations d’artistes.
9 – 20 février 2022, Palais de Tokyo (tous les jours, sauf le mardi, de 12h00 à 22h00)
9 février – 31 mars 2022, exposition en exclusivité dans les magasins du Bon Marché
23-26 février 2022, Galerie Ground Effect – exposition et événement final
9-26 février 2022, boutiques Moleskine – vitrines spéciales et découverte en boutique.
Illustration Yuval Avital, Babirye Leilah, Elia Ferroli A Tiny Splash
La galerie Les filles du calvaire présente une nouvelle exposition de l’artiste américain James Hyde. Basé à Brooklyn, l’artiste revient à Paris avec un ensemble inédit d’œuvres picturales. Depuis plus de trente ans, son œuvre est une exploration et une expérimentation de la matérialité, mélangeant les médiums (sculpture/fresque, photographie, peinture, virtuel) pour faire surgir les questions sur la création, l’œuvre d’art. Ce nouveau corpus d’œuvres utilise le prétexte de la sculpture publique en la noyant dans une étrangeté qui déplace le regard, suscite une curiosité et une attention qui tend à disparaitre aujourd’hui dans le format unique de nos réseaux sociaux…
Le travail de James Hyde a intégré les prestigieuses collections du Musée d’Art Moderne de New York, du Musée Guggenheim de New York et du Musée Fabre de Montpellier.
James Hyde
HERMES (PUBLIC SCULPTURE), 2021
dispersion de pigments acrylique,
acrylique, impression jet d’encre (sur papier Archival) et vernis uréthane sur panneau d’affichage en vinyle tendu (uv)
213 x 244 cm
Pour l’exposition Louise Bourgeois x Jenny Holzer, Holzer a regroupé des œuvres de Bourgeois de manière thématique au sein de neuf salles du Kunstmuseum Basel | Neubau. La présentation suit une logique intuitive et poétique. Chaque salle est autonome et possède sa propre identité. Dans le même temps, l’exposition toute entière déploie un récit dense et complexe autour de réminiscences, des cinq sens, de paysages, de l’inconscient, de la sexualité, de la maternité, des traumatismes et de la créativité.
L’exposition bénéficie du soutien de :
The Easton Foundation
Isaac Dreyfus-Bernheim Stiftung
Stiftung für das Kunstmuseum Basel
Hauser & Wirth
Kukje Gallery
Récurrente dans l’Inde ancienne autant que contemporaine, la figure de l’ascète est centrale dans de nombreuses manifestations de l’art indien. Elle illustre ainsi notamment le développement d’une discipline mentale, corporelle et spirituelle appelée yoga. Dédiée aux représentations de l’ascétisme, cette exposition réunit un ensemble de miniatures indiennes et de sculptures sur bois et bronze, du 10e au 19e siècles. Emmenée par les commissaires Amina Okada et Vincent Lefèvre, l’exposition dévoile les manifestations artistiques liées à ces courants religieux, à travers des œuvres issues des collections du musée Guimet, du musée du Louvre, du musée Rietberg de Zurich, de la Chester Beatty Library de Dublin ou de fondations privées…. En tout, 70 oeuvres aussi précieuses que méconnues. Une exposition à découvrir du 2 février au 2 mai 2022 au Musée national des arts asiatiques – Guimet
Musée national des arts asiatiques – Guimet
6, place d’Iéna 75116 Paris
Hôtel d’Heidelbach 19 av. d’Iéna 75116 Paris
Musée d’Ennery 59 av. Foch 75116 Paris
Métro : Iéna (9) ou Boissière (6)
Bus : Iéna (32, 63, 82) ou Kléber-Boissière (30, 22) www.guimet.fr
#museeguimet #expoNepal
GUS VAN SANT – MONA LISA
27 DÉCEMBRE 2021 – 19 FÉVRIER 2022 Vito Schnabel Gallery
VIA MAISTRA 37
7500 ST. MORITZ, SUISSE
La Vito Schnabel Gallery présente Gus Van Sant : Mona Lisa, une exposition de nouvelles peintures du célèbre cinéaste américain basé à Los Angeles. Inaugurée le 27 décembre 2021 dans les locaux de la galerie à Saint-Moritz, l’exposition sera la première de Van Sant en Suisse.
Mona Lisa présentera une série de toiles à grande échelle, exécutées à la feuille d’or, au crayon et à l’huile, qui ont pour sujet le chef-d’œuvre de la Renaissance créé par Léonard de Vinci durant sa deuxième période florentine – la célèbre icône culturelle omniprésente Mona Lisa (La Gioconda ou La Jaconde), vers 1503-1519. Œuvre d’art dont la légende mystérieuse continue de séduire l’imagination, le portrait énigmatique de Léonard est un archétype de la beauté qui s’est ancré dans la conscience collective en tant qu’objet de vénération généralisée. Son classement hiérarchique en tant que tableau le plus connu au monde a conféré à l’œuvre un statut d’immortalité.
Pour sa première exposition parisienne (du 8 déc. 2021 au 17 janv. 2022), Ahmed Al-Maadheed présente une série d’oeuvres inédites, placée sous le signe de la rencontre entre Doha et Paris.
Le parcours artistique scénographié chez Legacy rassemble une vingtaine de peintures résolument contemporaines, dans lesquelles Ahmed aborde les grandes thématiques de la culture qatarie, où se mêlent graphisme, peinture, gravure et calligraphie. Rimal Art Exhibition célèbre la beauté de son environnement tout en nuance, à mi-chemin entre modernité et tradition. Ses coups de pinceaux dynamiques et les couleurs vives utilisées dans ses peintures reflètent l’énergie créative de sa démarche sur fond d’ouverture culturelle.
Legacy store
www.legacy.paris
46 avenue George V 75008 Paris
Tél : +33140696000
Ouvert tous les jours de 10h à 19h
@legacyconceptstore
#legacystore
L’Atelier d’Antoine propose aux amateurs de montres, qu’ils soient passionnés ou débutants, une opportunité unique de se plonger dans le monde de la Haute Horlogerie. Les ateliers découverte constituent une chance rare d’explorer cet univers grâce à une approche aussi bien théorique que pratique et centrée sur un thème en particulier. Limité à un maximum de huit participants, chaque atelier est encadré par un instructeur et un expert de la Manufacture Jaeger-LeCoultre. Spécialement délocalisé à Paris pour l’exposition « Reverso: Intemporelle depuis 1931 », les visiteurs auront l’occasion de s’offrir une aventure unique.
Les participants sont invités à s’inscrire sur www.exposition-reverso.com pour les prochains ateliers prévus :
les 25 et 26 novembre 2021
les 10 et 11 décembre 2021
les 16 et 17 décembre 2021
les 18 et 19 décembre 2021
Durée de l’atelier: 1h30 Prix: 150€
L’exposition « Reverso : Intemporelle depuis 1931 » et le 1931 Café seront ouverts: du mardi au dimanche jusqu’au 24 décembre 2021 au 15 rue du Faubourg Saint-Honoré à Paris 8e.
L’exposition est gratuite et accessible au public
Réservation recommandée sur www.exposition-reverso.com
Audioguides disponibles pour l’exposition.
C’est au bord de l’eau, dans le calme des bassins que l’artiste Soo Burnell puise son inspiration. La photographe écossaise développe depuis près de 20 ans une pratique qui met en valeur la poésie des architectures et des personnages solitaires. Influencée par le travail du cinéaste américain Wes Anderson, l’artiste compose ses images comme d’immenses toiles aux couleurs pastel où les bâtiments deviennent les protagonistes de l’histoire qu’elle nous raconte. « Les hauts plafonds, les verrières, la symétrie, la géométrie, les carrelages… tout se reflète dans l’eau immobile. Au-delà de l’architecture, il y a beaucoup de nostalgie dans ces espaces préservés. »
L’exposition « To the Water » vous invite à découvrir les photographies réalisées à Molitor, et les ambiances des plus belles piscines d’Europe à travers l’œil de la photographe Soo Burnell
Four You Gallery présente la nouvelle exposition de l’artiste new-yorkaise Stickymonger, My Kinda Vacation, en exclusivité à Paris du 18 nov. au 05 déc. 2021. Née en Corée du Sud et vivant à New York, Stickymonger propose pour la première fois, une exposition uniquement composée d’oeuvres colorées, contrairement à son appétence pour le noir et blanc. Chaque pièce exposée raconte une histoire directement inspirée et influencée par sa propre expérience et dont les personnages lui sont familiers. My Kinda vacation nous raconte ces instants de rêverie, comme une routine adaptée à une vie active bien remplie. (Christine Mardirian). Travaillant ses oeuvres à l’aide d’une vaste gamme de médiums et de formes, elle s’est d’abord formée en Corée du Sud, puis à New York en tant que graphiste, où elle fait sa transition vers les Beaux-Arts, au début d’une carrière florissante. Depuis, elle expose dans le monde entier dans le cadre d’expositions collectives et individuelles…
Daydreams in the Ball Pit – Blue, 2021, Aerosol paint on canvas, D 101.6 cm
La Factory Polka est heureuse de présenter « Cruise Night », une plongée dans l’univers fascinant des « lowriders » signée Kristin Bedford. Pendant cinq ans, la photographe a suivi des adeptes du genre issus de la communauté mexicaine de Los Angeles. Loin des clichés, « Cruise Night » nous montre les décors et l’envers du lowriding, un art à part entière. L’exposition est à découvrir du 3 au 23 novembre 2021 à la Factory Polka, 14 rue Saint-Gilles à Paris. L’accrochage combine une collection capsule d’épreuves 20x30cm en open édition signées par l’artiste uniquement disponibles pendant le temps de l’exposition (prix public 180€) et une sélection de six tirages de collection numérotés disponibles en quatre formats du 40x60cm au 110x160cm (à partir de 2600€).
Vernissage public le jeudi 11 novembre à partir de 18h.
Signature du livre «Cruise Night» (Damiani, 2021), le samedi 13 novembre à 16h30.
Artcurial propose une nouvelle vente Urban & Pop Contemporary, le 30 novembre prochain. Une des œuvres phares de cette vente, INVADER, Moon 2015 sera présentée en avant-première la semaine de la Fiac. Initialement cette œuvre a été dévoilée à la HOCA Foundation à Hong Kong en 2015, lors de l’expo Wipe out. Après un premier pas dans l’espace en 2012 à Miami lorsqu’il avait envoyé à plus de 40 km du sol un Space Invader (Space1) à l’aide d’un ballon météorologique, Invader réalise en 2014 – 2015 en collaboration avec l’ESA (Agence Spatiale Européenne) une invasion de l’espace à travers un Space Invader en mosaïque qu’il intègre dans l’environnement du module Colombus de l’ISS (Station Spatiale Internationale). Après plusieurs mois passés à flotter en apesanteur dans l’ISS (elle est partie en juillet 2014), c’est la spationaute italienne Samantha Cristoforetti qui pose un point de colle salvateur sur la mosaïque « Space2 » le jeudi 12 mars 2015.
The Peninsula Paris et Galerie Templon, galerie d’art parisienne établie depuis 1966, s’associent pour une programmation d’expositions au sein du palace parisien. Cette collaboration prend forme dès aujourd’hui et jusqu’au 10 janvier 2022 avec une exposition d’œuvres d’art de Iván Navarro. Cinq de ses œuvres d’art sont disposées dans les espaces publics de l’hôtel pour permettre à tous de découvrir l’univers de ce créateur. Cinq autres sont placées dans deux des plus belles suites de l’établissement afin d’offrir une expérience artistique exclusive aux clients de ces suites. Sept des dix œuvres exposées sont uniques, dont Home, œuvre commandée à l’artiste par The Peninsula Hotels en 2019 dans le cadre de l’exposition « Art in Resonance ». Les trois autres œuvres ont été réalisées par l’artiste en trois exemplaires seulement.
Au cours de ces trois mois d’exposition, deux tables rondes seront organisées au sein de l’établissement de l’avenue Kléber et seront animées par des experts de l’art. Ouvertes à tous (sur réservation), ces rencontres ont pour but de promouvoir et de faciliter le dialogue entre différentes générations d’artistes et de publics. Amateurs d’art, novices ou experts, mais aussi étudiants en école d’art seront les bienvenus.
Au cours de l’année 2022, The Peninsula Paris poursuivra son programme dédié à l’art en exposant au sein de ses espaces le travail d’autres artistes.
Ethan Murrow est né et vit à Boston. Pour cette exposition, l’artiste a produit un ensemble d’œuvres exceptionnelles qui invitent à une méditation sur la nature. En noir et blanc ou en couleurs, elles se déploient in situ jusque dans une grande composition sur les murs de la galerie. Dessinateur virtuose, il campe sur papier des récits théâtraux et insolites en exploitant les changements d’échelle pour créer des perspectives saisissantes. Détaillées et surprenantes, ses œuvres mettent en scène des personnages hybrides, mi humain mi végétal dont les attitudes mêlent aventure, dérision, plaisir et parfois défaite. A découvrir jusqu’au samedi 23 octobre.
Galerie Les filles du calvaire
Ouverture du mardi au samedi 11h à 18h30
17 rue des Filles du Calvaire 75003 Paris M8 Filles du Calvaire
Ad-Rien est le gagnant de l’édition 2018 des Vibrations Urbaines et est exposé pour la première fois à l’Institut Culturel Bernard Magrez. Sa série de tableaux est réalisée grâce au montage des différents plans dessinés en noir et blanc. Elle met en scène la vie d’un personnage imaginé. Au fil des créations, il est devenu un compagnon, une sorte de miroir sur la réalité de l’artiste. Un travail de mise en lumière lui a permis de créer du mouvement dans le fixe, de l’impulsion dans le figé, de la profondeur de champ inspirée des codes cinématographiques.
Sans trop savoir comment ni pourquoi, l’Art a toujours fait partie de ma vie. Créer est devenu un réflexe, un besoin quotidien. Je crée par réflexe, par besoin. C’est mon mode de communication.
Pourtant, le terme « Art » m’a toujours intimidé, il me parait formel et théorisant. Il intellectualise quelque chose de viscéral, d’instinctif.
Se qualifier d’artiste me semble abstrait. Pour moi, l’Art est avant tout un terrain d’expérimentation sans limite.
C’est un moyen de fabriquer un langage, de matérialiser son imaginaire, ses idéaux, ses rêves. C’est un moyen de dire, de montrer, de transmettre, sans avoir besoin de mots.
Cette série de tableaux est réalisée grâce au montage des différents plans dessinés en noir et blanc. Elle met en scène la vie d’un personnage imaginée. Au fil des créations, il est devenu un compagnon, une sorte de miroir sur ma réalité.
Un travail de mise en lumière m’a permis de créer du mouvement dans le fixe, de l’impulsion dans le figé, de la profondeur de champ inspirée des codes cinématographiques.
« Over the Rimbaud »
La création naît souvent d’une suite de hasards …
Je venais de rentrer des États-Unis et je cherchais comment traduire ce qui se passait en moi. Ce furent une série de rencontres, et des discussions infinies autour du mythe qui m’a inspiré la série : « les Rimbaud d’Aujourd’hui ».
Et c’est ainsi que, de fil en aiguille, comme un rêve, une aventure, je me suis retrouvé à essayer de pénétrer ce mystère à force de peindre le visage d’Arthur Rimbaud.
« Vivre au présent »
L’adolescent fugueur ne tenait pas en place et mourrait d’envie d’aller voir l’Ailleurs, jusqu’à l’infini, celui que beaucoup envisagent mais qu’il a écrit.
Certes il a peu écrit, pourtant le génie qui l’habitait nous a laissé des textes/poèmes d’une modernité éblouissante. Curieux, insaisissable, Arthur Rimbaud incarne le reflet d’une adolescence gourmande de la vie. Ce grand marcheur aux semelles de vent voulait tout, dans un monde nouveau sans frontière, un monde dont il refusait les limites.
« Rimbaud Warrior »
Anarco-rock libéral. Électron libre. Rebelle en marge d’une société du XIXème siècle traditionnelle, Arthur Rimbaud a contredit tous les principes établis. Être libre. C’était en lui. Du bout de ses jeunes doigts, il laissé la poésie s’exprimer en son nom.
L’adolescence est un état d’être en puissance.
Il avait en lui un faisceau de tendances, un maelström d’envies qui touchaient à l’essence de l’Humanité. Arthur Rimbaud n’a pas cherché à se raisonner. Il s’est jeté corps et âme dans l’expression de ses envies, ses rejets, ses colères autant que ses humeurs vagabondes.
« Rimbaud est beau »
Un jour j’ai compris que ce visage n’avait pas d’âge.
Plus j’en apprenais les détails, plus il m’est apparu complexe. Habité par une infinité de caractères. Ce visage avait été celui d’un jeune homme de dix-sept ans en 1871, mais je le voyais vivant, tantôt fermé, tantôt souriant, volage, dur, provocateur, voyou, malin, buté- têtu, las ou rigoureux, narquois, amusé, rêveur séduisant ou simplement beau.
Après avoir longtemps peint « la ville », je me retrouvais face à face avec ce jeune homme qui débordait d’enthousiasme pour l’existence, mais qui refusait de se soumettre à ses propres lois. Un jeune homme moderne, qui incarnait la fulgurance d’une inspiration indomptable, généreuse, sensuelle, a-rythmée, surréaliste…
Ce même portrait de lui, se transformait en fonction de mon humeur, et chaque tableau reflète un caractère, ce visage d’Arthur Rimbaud connu de tous,
Connu dans l’Absolu,
Parce qu’il est en nous, il fait partie de nous. Au pluriel.
Après la sortie remarquée de son premier livre, Team autremonde, l’équipe de football qui lutte contre l’exclusion sociale, s’expose à la galerie de l’hôtel Jules & Jim. Le livre préfacé par Presnel Kimpembe sera disponible à l’accueil de l’hôtel sur toute la durée de l’exposition.
Ces dernières années, l’association autremonde a constitué une équipe de foot composée de migrants et de personnes en difficulté baptisée Team autremonde. Cette initiative basée sur la réinsertion positive, permet aux bénéficiaires de se retrouver chaque semaine autour d’une passion commune et de s’inscrire dans un programme sportif engagé.
«Parce que le football, c’est avant tout créer du lien entre les gens, partager des moments et des émotions, se dépasser collectivement, ensemble avec ses partenaires. C’est compenser quand un coéquipier est en retard défensivement, c’est faire l’appel même sans savoir si l’on recevra la balle, c’est proposer sans arrêt pour que l’équipe l’emporte à la fin».
Dès le 23 septembre, l’association investit la galerie de l’hôtel Jules & Jim. Organisée en parcours narratif, l’exposition s’étend jusqu’aux parties communes de l’hôtel, à travers une quinzaine de photographies réalisées par la talentueuse photographe franco-britannique Alys Thomas. La série présentée au Jules & Jim relate avec sensibilité la vie sur le terrain de ces compétiteurs hors norme et vise à partager des moments intimistes et les portraits authentiques des membres de cette équipe. À cette occasion, Team autremonde sensibilise les visiteurs sur son action solidaire et propose à la vente les oeuvres exposées, dont l’intégralité des fonds récoltés sera reversée à l’association.
Team autremonde
L’Expo photo par Alys Thomas 23 septembre / 16 novembre 2021
Galerie de l’hôtel Jules & Jim 11 rue des Graviliers – Paris 3
Venant accompagner l’exposition Hahaha. L’Humour de l’Art (15 septembre 2021 – 16 janvier 2022) une collaboration entre Kanal-Centre Pompidou, le Centre Pompidou et ING Belgique, ce catalogue met en lumière la place centrale de l’humour dans l’art moderne et contemporain qui, depuis le célèbre urinoir Fontaine (1917) de Marcel Duchamp, a révolutionné notre regard sur l’art.
Caricatures, jeux de mots, œuvres-jouets, canulars, parodies, dérision, artistes-bouffons, cet ouvrage reprend et approfondit les différents thèmes développés par l’exposition et en explore les origines et prolongements : depuis les caricatures d’Honoré Daumier aux ready-mades de Duchamp, depuis les jeux de mots Dada aux publicités de Jeff Koons.
Édition bilingue français-flamand avec un cahier de textes en anglais – couverture brochée 23 x 31 cm – 208 pages – 150 illustrations – ISBN 978-2-37074-151-6 – 39 €
A l’occasion de la première exposition de la rentrée, la Cohle Gallery présente le travail de deux nouveaux artistes qui rejoignent la galerie : André Wendland et Zac Yeates qui seront accompagnés de Ludovilk Myers. L’artiste australien Zac Yeates construit des sujets qui nous sont familiers tout y en apportant une étrangeté toute particulière de sorte que ce nous visualisons ne semble pas être à sa place dans notre société moderne et pourtant y a pleinement sa place sur la toile. Pour l’artiste allemand André Wendland, le monde virtuel et le monde réel sont interconnectés et lui permettent de recréer d’une certaine façon son propre monde dans son studio avec une infinité de possibilités. La peinture est également pour lui une manière de retranscrire le monde virtuel d’une manière plus concrète et donner l’envie au visiteur de toucher la toile comme s’il s’agissait d’un écran tactile. Ludovilk Myers découvre le métal et les films d’horreur à 10 ans, commence à développer ses photos en labo à 11 ans, sombre dans les cartes Magic et Warhammer à 12 ans, commence le graffiti en 1998. Depuis 2006, il travaille pour divers marques et agences créatives en tant que designer graphique et directeur artistique freelance dans le digital, principalement dans les domaines de la musique, du luxe et de la mode, ce qui lui apporte une forte rigueur et compréhension des clients. En parallèle il développe un style personnel en peinture, illustration, graphisme, typographie, et réalise dans le monde entier de nombreuses expositions et collaborations avec des marques. L’art ludique de Ludovilk Myers “Ilk”, clairsemé de couleurs et formes amusantes, n’est qu’une main tendue pour sombrer dans l’obscurité d’un univers imaginaire, organique et oppressant. @cohlegallery
Rémi Laviron ouvre son micro dans des lieux atypiques, parfois interlopes où ses invités le guident. Passant de bars aux galeries parisiennes ou aux soirées mondaines, il mène ses interviews insolites avec pour ambition de rendre compte d’une époque à travers les mœurs et les habitudes des Parisiens. Artistes, fêtards et mondains sont au rendez-vous pour nous faire découvrir leur face cachée… LE DERRIÈRE DE PARIS (un podcast curieux mais pas voyeur; qui s’intéresse à la face cachée des artistes, fêtards et mondains parisiens)
À l’occasion de la Paris Design Week 2021, le Musée national des arts asiatiques – Guimet invite l’artiste Pierre Bonnefille à présenter, au sein de l’Hôtel d’Heidelbach, une œuvre monumentale : Meditation room, ainsi qu’une série d’œuvres et pièces de mobilier inspirées de l’Asie en conversation des collections chinoises du musée.
Œuvre centrale de l’exposition installée dans un salon boisé du 18e siècle, Meditation room invite à la contemplation et à la méditation. Pierre Bonnefille recrée une pièce circulaire monumentale dont les parois, composées de ses Bronze painting recouverts d’or, réfléchissent une lumière particulière. L’installation est ici la peinture elle-même qui se déploie sur la totalité de la surface de la structure et incite à la déambulation. La découverte de cet environnement immersif interagit physiquement avec le spectateur, l’invitant à une expérience à la fois personnelle et collective.
Exposition du 1er au 20 septembre 2021
Musée national des arts asiatiques – Guimet
Paris Design Week 2021 – du 8 au 19 septembre 2021
Du 3 septembre au 10 octobre 2021, la Galerie GADCOLLECTION consacre une exposition à un des Maitres de la Photographie : Douglas Kirkland. A travers une sélection de 15 photographies jamais exposées en France, l’exposition Marilyn Monroe offre une évasion au cœur de l’une des femmes les plus emblématiques qui ait traversé la vie de ce photographe d’exception. En même temps que l’exposition, le Festival du Film des Champs-Elysées rendra hommage à Marilyn Monroe et à Douglas Kirkland.
“I have a philosophy. I do not want to make negatives images of people, and so I do everything I can to help make them feel comfortable in front of the camera. That is what is going to control your picture, because you are alone if your subject is not with you. And that’s the simple answer to getting a good picture.” Douglas Kirkland
Douglas KIRKLAND | Marilyn Monroe
3 Septembre > 10 Octobre 2021
Galerie GADCOLLECTION
4, Rue du Pont Louis Philippe
75 004 PARIS
« Summer Show » à la Cohle Gallery, du 8 au 24 juillet. L’opportunité de découvrir les nouvelles œuvres de huit artistes dont trois nouveaux arrivants : Colin Roberts, Tom Jean Webb, et Nksin dont le travail sera présenté pour la première fois en Europe.
Artistes : Ador (FRA) | Colin Roberts (USA) | Fenx (FRA) | Ludovilk Myers (FR) | Madi (FR) | Nksin (JAP) | Poes (FRA) | Tom Jean Webb (UK)
Dates : 8 au 24 juillet
Vernissage : Jeudi 8 juillet (18h-21h)
Mercredi au samedi – 14h à 19h et tous les jours sur RDV
Cohle Gallery – 17 rue Victor Massé 75009 Paris
5 jours de performance artistique, culturelles, sportives sur plus de 6500m2 du parvis de la Défense. En accès libre et gratuit tout les jours ! Au programme : Street art live, marché de créateurs, concerts, talk shows et food court. En découvrir plus : parisladefense.com
