Faire tapisserie : «rester à sa place en étant réduit.e à un objet décoratif» ou « ne pas être invité.e à danser»…Comme un pied de nez à cette expression désuète, Aurélia Jaubert ainsi que les artistes conviés à participer à cette exposition, Clarence Guena, Benoit Jammes, Silvana Mc Nulty, Bérénice Szajner, Emmanuelle Villard, Paul Yore, replacent la tapisserie au coeur des enjeux et des questionnements contemporains.
En réutilisant des fragments de canevas ou de tapisseries mais aussi certains codes artistiques attachés à cette pratique puis en les détournant, ces artistes réaffirment la capacité créative de ce médium. Ainsi la tapisserie n’est plus seulement cet objet décoratif et populaire mais redevient un art « noble » grâce auquel l’artiste témoigne de son regard contemporain sur le monde et ses représentations, souvent avec humour.
Aurélia Jaubert présente également trois autres de ses séries liées au textile : Mixtape (2015-2016), SUPER VHS (2014-2017), et Rebuts d’atelier (2007-2010). Ces séries témoignent de ses recherches sur la matière détournée et anoblie, sur les changements d’échelle et les différentes formes de représentation.
Exposition du 26 juin au 29 août 2021
Vernissage public : vendredi 25 juin à 18h30
Ouverture : du mardi au dimanche de 14h à 18h, entrée libre et gratuite
Visite libre – entrée gratuite et sans réservation
Manufacture Roubaix, Musée de la Mémoire et de la Création Textile
29 Avenue Julien Lagache, 59100 Roubaix
Du 8 avril au 8 mai 2021, Opera Gallery consacre pour la première fois une exposition personnelle au peintre Pierre Soulages. Pour l’occasion, la galerie parisienne dévoile 12 toiles emblématiques de l’artiste illustrant sa période Outrenoir, un concept forgé par le peintre et qui définit la part la plus importante de son œuvre.
Maître incontesté de la peinture au noir, d’une abstraction radicale au service de la matière et de la lumière, Pierre Soulages (né en 1919) est l’une des dernières grandes figures de l’art moderne. Le noir est chez Soulages une quête. Il radicalise l’usage de cette couleur dans son œuvre à partir de 1979 en le détaillant ainsi : « la totalité de ce pigment recouvre la toile, mais je ne travaille pas avec ce pigment, aussi bizarre que cela puisse paraître. Ce qui m’intéresse, c’est la réflexion de la lumière sur les états de surface de cette couleur noire, états de surface qui varient », en fonction des stries, des coups de brosse qu’il va apposer.
L’intégralité des 1000 m2 du rez-de-chaussée de la galerie parisienne situé au 62 rue du faubourg Saint-Honoré, lui sera consacrée. Les Outrenoirs s’y répondront afin de montrer la cohérence et les variations dynamiques du noir-lumière qui occupent depuis plus de 40 ans la vie de l’artiste.
Opera Gallery Paris – 62 rue du faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris – paris@operagallery.com T. 01 42 96 39 00 –
Après une vingtaines d’années passées à pratiquer les expositions et les salons, Pierre Paul Marchini dénonce les abus de ce milieu élitiste, qui exploite les artistes et empêche le grand public d’acquérir des oeuvres en pratiquant des tarifs prohibitifs.
J’ai assisté à des dérives plus que douteuses dans le milieu artistique ! Des galéristes aux concepteurs de sites payants pour artistes, en passant par les organisateurs de salons, nombre d’acteurs voient l’art comme un investissement sans en apprécier la profondeur. Ils se contentent de spéculer, comme à la Bourse, et de courir après la reconnaissance… Pierre Paul Marchini
L’artiste a donc décidé de suivre une autre voie en lançant NO ARTE (marque déposée), sa propre galerie en ligne d’exposition permanente disponible sur Facebook. Son objectif : démocratiser l’accès à son art, en recréant un lien direct entre l’artiste et les amateurs d’art.
Sans titre (2016) présente « At the pawn shop », une exposition personnelle de Paula Kamps, du 13 mars au 24 avril 2021.
Les nouvelles peintures de l’artiste présentées dans le cadre sa première exposition personnelle à la galerie Sans titre (2016) intitulée « At the pawn shop, » témoignent d’un déplacement géographique radical dans la vie de l’artiste. Originaire d’Allemagne et ayant récemment déménagé à Chicago, Kamps a fait l’expérience de situations quotidiennes inédites et d’un bouleversement de son environnement qui ont influencé sa peinture. Elle relate dans ce nouveau corpus d’œuvres ce qu’elle appelle des « diary experiences ». Chaque souvenir ou scène vécus sont comme de nouveaux calques qui s’amoncèlent.
L’artiste utilise pour la première fois la technique de l’aérographe. Inventé dans les années 1880, cet appareil permet d’appliquer toute sorte de médiums (aquarelle, pigment, acrylique ou encre) sur une toile sans avoir besoin de la toucher. Cet outil, ayant la forme d’un pistolet, implique une certaine distance. Une distance que l’artiste revendique : elle relate des scènes vécues ou imagées sans jamais n’y prendre part ni s’inclure dans la narration. Cette nouvelle technique engendre aussi parfois des évènements inespérés comme une réaction chimique fortuite et accidentelle tant dans la composition même et la colorimétrie des toiles que dans la relation entre les personnages et les actions.
Paula Kamps (née en 1990, Allemagne) a étudié à la Kunstakademie de Dusseldorf auprès de Tomma Abts et d’Elizabeth Peyton. Elle a fait l’objet d’expositions personnelles au Kunstverein Heppenheim (2019), a Spazio Nea, Naples (2018) ainsi qu’au Kunsthaus Mettmann (2014). Son travail a été montré lors d’expositions collectives à Orchard32, New York (2019), à Carbon12, Dubai (2018) ou encore au Kunstverein Reutlingen (2018). En 2021, elle fera l’objet d’une exposition chez M. LeBlanc, Chicago.
Illustration : Paula Kamps, Far from the aisle, 2020, ink and crayon on canvas, 120 x 100 cm
Sans titre (2016)
Wednesday – Saturday 12 p.m. – 7 p.m.
Mercredi – Samedi 12h à 19h
La Bim Bam Gallery présente “Sweet Dreams & Demon’s Tears” le double solo show de Rachel Hayden et Heather Benjamin. Pour chacune de ces deux artistes vivant à New-York, il s’agit de leur première exposition personnelle en France. Des mines paisibles ornées de papillons ou de fleurs de Rachel Hayden aux voluptueuses déesses combatives de Heather Benjamin, résulte une considération commune pour le symbolisme comme vecteur d’émancipation.
BIM BAM GALLERY
66 rue Charlot 75003 Paris
Exposition du 11 au 20 mars 2021
Ouvert du mardi au samedi de 11h à 18h
Baimba Kamara
bimbam.gallery
instagram.com/bimbam.gallery
À l’occasion de son exposition solo du 18 au 27 mars 2021 « Grow Up » à la Cohle Gallery, l’artiste Le Floch Loïc aka FenX présentera une série de petites toiles de 30×40 cm reprenant les covers emblématiques du magazine Playboy. Ces toiles seront ensuite vendues dans un coffret avec le magazine original.
Travailler ce sujet évoque aussi pour lui le passage de l’adolescence à l’adulte et la découverte de la vie. Le souvenir de la découverte étant jeune de magazines tels que Playboy. Selon lui, la personne qui devient adulte ne s’intéresse plus à ce type de magazine. En revanche, il va rester pour ceux qui n’ont pas vraiment grandit et sont restés dans un entre deux. Pour lui « l’artiste » fait partie de ces personnes qui ne deviennent jamais vraiment homme.
Cohle Gallery
17 rue Victor Massé 75009 Paris
@cohlegallery
www.cohlegallery.com
Exposition présentée du Vendredi 9 avril au samedi 29 mai 2021
L’Appart Renoma 129 bis rue de la Pompe, Paris 16
Ouverture du mardi au samedi, de 10h à 18h
Cet accrochage, partition croisée de trois artistes, réunit des photographies de Maurice Renoma, une sélection de toiles de William Bakaimo et Famakan Magassa ainsi que des œuvres fusion créées spécialement pour cet événement. Entre fantasme et réalité, humour et fatalisme, Maurice Renoma, William Bakaimo et Famakan Magassa mettent en scène l’Homme face à ses limites et ses démons, sa nature destructrice et l’impact d’une société contemporaine intrinsèquement pervertie.
Du 4 mai 2021 au 30 janvier 2022, la Fondation groupe EDF présente Fake News : Art, Fiction, Mensonge, une exposition inédite en France réunissant les œuvres d’artistes français et internationaux qui alertent et interrogent sur la prolifération de fausses informations dans notre monde hyperconnecté tout en bousculant notre esprit critique. Née d’un commissariat collectif réuni par Laurence Lamy, Déléguée Générale de la Fondation, cette exposition propose une déambulation artistique et pédagogique entre réalité, interprétation et perception pour comprendre et décrypter la mécanique d’une fausse information…
De la fausse Une du New York Times par les Yes Men aux deep fakes du duo Bill Posters/ Daniel Howe, en passant par l’imprimante à fake news de Tsila Hassine et Carmel Barnea Brezner Jonas, l’exposition convoque les dessins, peintures, sculptures, installations, photos et vidéos d’artistes qui jouent avec les représentations du monde pour initier les visiteurs, et particulièrement les plus jeunes, aux enjeux contemporains de l’infox.
FONDATION GROUPE EDF
6, rue Juliette Récamier
75007 Paris
M° Sèvres-Babylone
Entrée libre du mardi au dimanche
12h-19h (sauf jours fériés)
Tél. : 01 40 42 35 35
fondation.edf.com
#FakeNews
#ChangeonsPourLesGenerationsFutures
Paris, le 13 novembre 2015 Du jour au lendemain… Une exposition en plein air, sur les grilles du Jardin May-Picqueray (ex-square du Bataclan) entre le 13 novembre 2020 et le 3 janvier 2021, un livre / catalogue d’exposition, une campagne #Journaldu13 qui incite chacun qui le souhaite à partager une image (un souvenir de cette journée, ou une image en réponse à cette tragédie) sur les réseaux sociaux. Il s’agit à travers cette campagne de créer un espace virtuel de mémoire collective et photographique en hommage aux victimes.
Liste des artistes photographes participant à l’exposition et au catalogue :
Todd Hido
Evangelia Kranioti
Letizia Le Fur
Sze Tsung Nicolás Leong
Nicola Lo Calzo
Safaa Mazirh
Sarah Moon
Paulo Nozolino
Richard Pak
Catherine Poncin
Pauline Rousseau
Maurice Schobinger
Klavdij Sluban
SMITH
Fred Stucin
Laure Tiberghien
Laure Vasconi
Sabine Weiss
Hannah Whitaker
Matt Wilson
Sophie Zénon
Antoine d’Agata
Nikos Aliagas
Jane Evelyn Atwood
Jean-Christophe Béchet
Carolle Benitah
Jacques Borgetto
Bruno Boudjelal
Jean-Christian Bourcart
Anne-Lise Broyer
Lorenzo Castore
Philippe Chancel
Clara Chichin
Ricky Dávila
Stefano De Luigi
Mathias Depardon
Claudine Doury
Stéphane Duroy
FLORE
Hicham Gardaf
Samuel Gratacap
Brian Griffin
13onze15 – Fraternité & Vérité : L’association “13onze15 : Fraternité et Vérité” a été créée le 9 janvier 2016, par des victimes et proches de victimes des attentats survenus le 13 novembre 2015 à Paris et Saint-Denis. Elle est régie par la loi du 1er juillet 1901, est à but non lucratif et s’engage à rester indépendante de tout mouvement politique ou religieux. Reconnue d’intérêt général, elle a été agréée par le ministère de la Justice pour pouvoir se porter partie civile, particulièrement dans l’instruction des attentats du 13 novembre 2015. Son but est de défendre les victimes et les proches de victimes des attentats de Paris et de Saint-Denis du 13 novembre 2015. Proposer une aide et un soutien mutuel. Organiser des actions mémorielles pour lutter contre l’oubli. Participer au processus judiciaire et aux retours d’expérience. Contribuer à la manifestation de la vérité et participer activement à la prévention du terrorisme. Tous les adhérents de l’association sont des victimes directes ou proches de victimes des attentats du 13 novembre 2015.
« VIVRE, Graffiti sur le mur de la cokerie », Drocourt, France, 1992 © Jane Evelyn Atwood
Une exposition virtuelle à voir à partir du 10 novembre uniquement sur : https://www.faceszine.com/desconcertspop
Nicolas Vidal est chanteur et photographe. Après avoir sorti 3 album (« Des ecchymoses » en 2011, « Les nuits sereines n’existent pas » en 2016 et « Bleu Piscine » en 2018), il crée Faces Zine en 2017, un webzine pop en noir et blanc pour lequel il interviewe et photographie des musicien.ne.s, leur consacrant de longs portraits. Il travaille actuellement sur « Ma mère s’appelle Françoise », un projet sur Françoise Sagan et un nouvel album.
2021 marque le bicentenaire de la naissance de Gustave Flaubert (1821- 1880). L’occasion, pour la RMM, de déployer un vaste programme de célébrations ! Du 23 avril au 19 septembre 2021, le Musée des Beaux-arts de Rouen présente Salammbô, une exposition inspirée du roman flaubertien éponyme, paru en 1862. Fureur, passion, désir, trahisons et… éléphants traversent cette géniale épopée qui fait voyager le public en terre punique, trois siècles avant J.-C.
Pour mener à bien cet ambitieux projet, le musée des Beaux-Arts a choisi de s’associer au Mucem, à Marseille, qui accueillera l’exposition à l’automne 2021, mais aussi à l’Institut national du patrimoine de Tunisie, qui a permis le prêt d’exceptionnels chefs-d’œuvre archéologiques émanant du site de Carthage. Le Musée national du Bardo accueillera enfin l’exposition, marquant le retour de Flaubert en Tunisie au printemps-été 2022.
Résolument transdisciplinaire, art, littérature, opéra, cinéma, bande dessinée, archéologie, l’exposition se déroule en trois temps. On trouve d’abord les sources sur lesquelles Flaubert a pu s’appuyer, du mythe de Carthage tel qu’on le connaît à travers Didon ou l’histoire des guerres puniques, aux débuts de l’archéologie carthaginoise.
L’exposition réunira environ 250 œuvres, objets, images, issus des collections publiques et privées françaises et européennes, dont le musée du Louvre, la Bibliothèque nationale de France, le Musée National d’Art Moderne- Centre Pompidou, le musée d’Archéologie méditerranéenne de Marseille, le Cabinet des Médailles de Marseille, les musées de Rouen, Munich et Berlin… https://mbarouen.fr/fr
Salammbô, Roman de Gustave Flaubert
Fille d’Hamilcar et servante de la déesse Tanit, Salammbô donne son nom au roman, et il s’agit bien pour Flaubert de raconter l’amour brut qui l’attache à Mâtho, le chef des mercenaires employés par Carthage dans sa guerre contre les Romains ; le destin des deux héros est pris dans le tumulte de batailles et de cruautés auquel donne lieu, près de trois cents ans avant Jésus-Christ, la révolte des mercenaires au retour du combat. En 1856, Madame Bovary avait été un considérable événement littéraire. Six ans plus tard, le deuxième roman de Flaubert, très attendu, suscita pourtant des réactions contradictoires : beaucoup le jugèrent incompréhensible, lesté d’une érudition historique excessive, et finalement ennuyeux ; d’autres au contraire s’enthousiasmèrent pour son originalité profonde et sa puissance d’évocation. Ce que Salammbô pouvait alors offrir d’étrange ne s’est pas effacé, mais l’évidence, s’est imposée d’une beauté jusqu’alors inédite en littérature – la beauté d’une fable où la violence de l’Histoire se trouve somptueusement mise en scène.
Collection Classiques dirigée par Michel Zink et Michel Jarrety.
Édition préfacée, annotée et commentée par Jacques Neefs.
https://www.livredepoche.com/livre/salammbo-9782253160939
Du 12 au 28 novembre, la Cohle Gallery présentera « Artéfacts », la dernière exposition de Monkeybird, dans sa galerie située au 17 rue Victor Massé 75009 Paris, en plein coeur de Pigalle. Pour ce collectif, le nom de cette exposition « Artéfacts » est lié à l’idée d’un objet reliquaire et porteur de mémoire. En étudiant ce mot, on constate que sa signification est complexe et son usage pluriel, presque contradictoire. Selon son domaine d’emploi, il peut aussi bien définir un produit ayant subi une transformation par l’homme, qu’une erreur ou un effet indésirable.
Pour Monkeybird, ce n’est plus la mémoire des vainqueurs de la guerre qui perdure, mais celle des femmes et des hommes qui ont subsisté au gré des saisons dans la persévérance, la cohésion et l’humilité. Les fragments d’outils, les sols travaillés et les stigmates dans les roches communiquent dans un langage commun, offrant aux générations futures une grille de lecture et le panorama d’une civilisation qui se délivre des préjugés. Les deux artistes nous amènent alors à nous questionner sur notre génération et ce qu’elle laissera à son tour. Si quelqu’un un jour étudie notre strate géologique, cette dernière révélera sans doute un amas d’artéfacts dans toute leur complexité sémantique, entre «reliques», «artifices» et «erreurs». https://www.cohlegallery.com
L’exceptionnelle trajectoire humaine, artistique et politique de Tina Modotti (1896-1942), photographe et militante révolutionnaire, amie et interlocutrice de peintres tels Frida Kahlo et Diego Rivera mais aussi mannequin et actrice du cinéma muet à Hollywood, a fait d’elle l’une des artistes les plus célèbres du XXe siècle. En collaboration avec l’association Cinemazero, l’exposition Tina Modotti : photographie, liberté et révolution reconstitue à travers une quarantaine de clichés, de vidéos et d’autres documents le parcours de l’artiste ainsi que sa recherche formelle, dont l’originalité a laissé une trace profonde dans l’histoire de la photographie de la première partie du XXe siècle. L’exposition s’articule autour de quatre sections : à côté des œuvres les plus connues – natures mortes, portraits de paysans mexicains et de la photographe elle-même – s’affichent les clichés plus intimistes dédiés aux femmes et aux enfants.
Du 28 octobre au 25 novembre 2020 En collaboration avec l’association Cinemazero, avec le soutien de la Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, Comune di Pordenone
Dans le cadre du Festival du festival PhotoSaintGermain
Institut Culturel Italien, 50 rue de Varenne, 75007 Paris
Du lundi au vendredi de 10h à 13h et de 15h à 18h et en soirée lors des manifestations. Entrée libre https://iicparigi.esteri.it/IIC_Parigi/fr
Tina Modotti en 1919 © Getty / Galerie Bilderwelt / Hulton Archives
RANDOM FACTORY est une petite usine à produire des images qui investit WE ART from PARIS jusqu’au 30 octobre.
La structure est uniquement portée par un processus : L’ALÉATOIRE.
Les systèmes et les algorithmes, mis en place par l’équipe de 1984-inc, génèrent une série d’images uniques qui nous interrogent sur la notion d’« aléatoire » et sur son potentiel artistique aujourd’hui. RANDOM FACTORY nous parle de nous-mêmes tout en mettant en scène le hasard.
« Random » concerne toute chose faite au hasard, de manière aléatoire et imprévisible.
Une situation peut être random, nous pouvons rencontrer une personne random, nous trouver dans un endroit random mais surtout nous pouvons observer une oeuvre de manière random.
Lorsque le hasard entre en contact avec l’acte créatif, s’y infiltrant, il est perçu parfois comme une circonstance inattendue, ou bien il peut se révéler comme un véritable acteur bouleversant l’oeuvre.
24 OCTOBRE | RANDOM TECHNICS
Produire des images en explorant différentes techniques mixtes (linogravure, empreintes, matières physiques détournées….).
29 OCTOBRE | CLOTURE DE L’EXPOSITION
Vernissage de fin, qui présente l’évolution de l’exposition.
Pour en savoir plus : https://weartfromparis.com
Instagram : https://www.instagram.com/weartfromparis
WE ART from PARIS – 15ème
40 rue Castagnary, 75015 Paris
Métro 13 Plaisance – Métro 12 Convention
La galerie Polka est heureuse d’annoncer sa collaboration avec l’artiste japonaise Miho Kajioka dans le cadre de sa première exposition “Do You Open Your Eyes in the Sea ?”, présentée du 6 novembre 2020 au 9 janvier 2021.
L’artiste a souhaité proposer aux visiteurs une expérience sensorielle qui sollicite à la fois la vue, l’ouïe et l’odorat. L’exposition est conçue comme une lecture poétique et libre du travail de Miho Kajioka, mariant des tirages issus de ses anciennes séries (As it Is, And, Where Did the Peacocks Go?, So it Goes, Tanzaku), mais aussi de trois ensembles inédits réalisés en 2020 : The Blue Bird, The Red Fish et Goat Shit Floating on Water. La cinquantaine de tirages argentiques virés au thé qui compose l’exposition a été tirée à la main par l’artiste entre Paris et Kyoto : “La partie la plus importante de mon travail se passe dans la chambre noire. Pour beaucoup de photographes, la prise de vue est capitale, leur cuisine se fait à ce moment-là. Moi, lors de la prise de vue, je fais mon marché, je récolte des ingrédients. Et, de retour dans la chambre noire, je cuisine.”
Le son aura également une place particulière puisque des poèmes et des textes lus par des enfants seront diffusés dans la galerie en trois langues (anglais, français et japonais).
Enfin, l’artiste a collaboré avec un créateur de parfum pour l’ambiance olfactive. Il a créé pour elle une fragrance printanière inspirée par la notion de temps.
“Je n’aime pas les frontières entre les médiums : mes œuvres doivent être une expérience totale.”
http://www.polkagalerie.com
Cour de Venise
12, rue Saint-Gilles
75003 Paris, France
T +33 1 76 21 41 30
contact@polkagalerie.com
Du mardi au samedi de 11h à 19h. ou sur rendez-vous.
Entrée libre
Métro Chemin Vert (L8) / Saint-Paul (L1)
Bus 29, 96, 65, 20
Parking Saint-Paul
La Galerie Ilian Rebei organise une exposition sur le peintre Jules Cavaillès (1901-1977) du 17 octobre au 14 novembre.
Ouverte depuis 2018, le Galerie Ilian Rebei vient de s’installer dans des nouveaux locaux au cœur du Village Suisse. Elle y présente une sélection d’œuvres d’artistes néo- impressionnistes et d’avant-garde. Pour l’exposition inaugurale des lieux, le choix de l’artiste s’est porté sur Jules Cavaillès. Ce peintre s’inspire du fauvisme, mouvement d’avant-garde, et des néo-impressionnistes. Il conjugue parfaitement l’intensité chromatique de Matisse à la tendresse de Renoir. Ses natures mortes semblent étinceler de vie grâce aux aplats de couleurs vives.
10 Avenue de Champaubert, 75015, Paris Village Suisse, Cour anglaise (sous-sol)
https://www.ilianrebei.com
L’exposition consacrée au photographe Marc Riboud (1923-2016) marque l’entrée de l’intégralité de son œuvre dans les collections nationales, conformément à son souhait.
Figure éminente de la photographie, Marc Riboud a marqué la seconde moitié du 20e siècle par son regard profondément personnel sur le monde. Photographe plus que reporter, il laisse derrière lui plus de 50 000 photographies (négatifs, diapositives et épreuves sur papier) où l’Asie domine.
À découvrir du 4 novembre 2020 au 1er mars 2021
Musée national des arts asiatiques – Guimet
6, place d’Iéna, 75116 Paris
Illustration: Les fenêtres d’antiquaire Rue Liulichang, Pékin, Chine, 1965 © Marc Riboud / Fonds Marc Riboud au MNAAG
Playground – Le design des sneakers au musée des Arts décoratifs et du Design (madd-bordeaux) Jusqu’au 10 janvier 2021. Entrée et visite commentée gratuites jusqu’au 31 août
Baskets, tennis, trainers ou sneakers, peu importent leurs noms, elles marquent notre façon de vivre et de nous habiller depuis le début du XXe siècle. Les sneakers sont devenues, en quelques décennies, un objet de consommation de masse qui transcende le genre, l’âge et les milieux socio-culturels. Avec plus de 600 paires, films, documents d’archives, photos et témoignages, Playground, première exposition de cette envergure en Europe, présente toutes les facettes de cet objet iconique, de son succès auprès des breakdancers new-yorkais aux recherches technologiques de pointe qu’il suscite.
Comité artistique : Jacques Chassaing, Thibault de Longeville, Samuel Mantelet, Teddy Sanchez, Alexander Taylor et Pierre Demoux. Mise en scène par le designer Mathieu Lehanneur
Dans le respect des consignes sanitaires, de nombreux événements offline et online corrélés à l’exposition sont également prévus :
Terrain de basket-ball (3×3) dans la cour d’honneur du musée : pratiques libres et rencontres sportives avec les JSA Bordeaux Métropole Basket et la Fédération Française de Basket-Ball.
Autour de l’exposition : concerts, DJ sets, rencontres, animations, ateliers pour enfants …
En découvrir plus: https://madd-bordeaux.fr/accueil
Un grand merci à la galerie Perrotin, pour cette visite virtuelle de l’exposition de Cinga Samson ‘ Amadoda Akafani, Afana Ngeentshebe Zodwa (les hommes sont différents, bien qu’ils se ressemblent).
Cinga Samson s’est récemment imposé comme une nouvelle voix importante dans la peinture contemporaine. Ses œuvres font écho à ce qu’il décrit comme les superstitions et la spiritualité qui font partie intégrante de son éducation dans la ville d’Ethembeni (Af. Sud) et ses environs. Le désir, l’aspiration et la célébration de l’identité animent une grande partie de son travail, pour lequel il s’inspire de la mode, du patrimoine et des œuvres de Paul Gauguin et Andrew Wyeth, entre autres. Le processus de Samson intègre l’utilisation de croquis et de séances de photos ; il sélectionne avec soin les éléments d’une composition qui seront remplacés par d’autres afin d’atteindre un équilibre sensuel entre le réel, l’imaginaire et l’accentué. Lauréat du prix Tollman 2017 pour les arts visuels, il a exposé à l’Armory Show de New York en 2018.
Cliquez sur l’image pour accéder à la visite virtuelle
Illustration: Cinga Samson, Inyongo 1, 2020. Oil on canvas. Framed : 226 x 266 cm | 89 x 104 3/4 inch. Courtesy Perrotin
22 février – 27 juin 2020, PERROTIN New York
130 Orchard St, New York, NY 10002, États-Unis
» Signes. Soit qu’il veuille prouver son amour, soit qu’il s’efforce de déchiffrer si l’autre l’aime, le sujet amoureux n’a à sa disposition aucun système de signes sûrs. » Fragments d’un discours amoureux, Roland Barthes / Chapitre : L’incertitude des signes.
L’exposition « Divagations amoureuses« , inspirée du livre de Roland Barthes Fragments d’un discours amoureux est une réflexion sur le paradigme de la solitude amoureuse. Profitons du temps de confinement dû à la situation sanitaire pour une re-lecture du livre et une visite virtuelle de l’exposition…
Divagations amoureuses
Une proposition de Madeleine Filippi
avec les artistes : Odonchimeg Davaadorj, Marielle Degioanni, Julien Serve, Bertrand Robert
Exposition présentée de manière virtuelle jusqu’au 25 avril 2020
Ségolène Brossette Galerie
15 rue Guénégaud
75006 Paris
Partenaire privilégié du Jeu de Paume depuis 2006, Jaeger-LeCoultre invite à découvrir l’exposition Le Supermarché des images, une puissante réflexion sur l’économie des images – ou iconomie – à partir du 11 février 2020 à Paris. Lieu de création dédié à l’image et à la photographie contemporaine, le Jeu de Paume manifeste une volonté de transversalité dans l’étude de la culture visuelle. Grâce notamment au soutien de la Grande Maison, un collectif de talents a pu confronter sa vision à l’hyper production d’images caractéristique de notre société et questionner les enjeux de circulation et de gestion qui en découlent. Une exposition au rythme d’une époque, à l’image de son temps…
Jeu de Paume (http://www.jeudepaume.org)
1 Place de la Concorde, 75008 Paris
Illustration : Hiroshi Sugimoto, Theaters
Sans titre (2016) is pleased to announce ‘A Shelter in the Folds of the Infinite‘ Curated by Eloi Boucher. With : Jonathan Binet, Lorraine Châteaux, Michael Debatty, Basile Ghosn, Ray Johnson, Sarah Ortmeyer w/ Kerstin Brätsch & Paloma Proudfoot.
January 17 – February 22
Opening reception: Thursday, Jan. 16, from 6 to 9pm
Sans titre (2016)
33, rue du Faubourg Saint-Martin
75010 Paris (In the courtyard)
Open Wednesday – Saturday, 12pm–7pm
http://www.sanstitre2016.com
Du 6 janvier au 24 avril 2020, Château Palmer accueille l’exposition « Arctique » du photographe Jean Gaumy. Membre de l’agence Magnum Photos, élu en 2016 à l’Académie des Beaux-Arts, le Français y présente un choix de photographies prises lors de ses récentes missions scientifiques au Pôle Nord. Paysages telluriques, décors de glace et minéraux, organiques jusqu’à l’abstraction. Un regard singulier sur une zone extrême, bien au-delà du cercle polaire, qui résonne avec les préoccupations environnementales de Château Palmer.
Exposition accessible dans le cadre des visites de la propriété / sur réservation
Durée : 2h30 – 70€
Château Palmer – 33460 Margaux
+33 5 57 88 72 72
www.chateau-palmer.com
chateau-palmer@chateau-palmer.com
Illustration : Ny-Ålesund, Svalbard, Norvège – Octobre 2013 78.9°N, 11.9°E – Mission BB POLAR ©Jean Gaumy / Magnum Photos
Peter Johansson détourne des symboles du patrimoine suédois, et endosse, avec une outrance qui ne craint pas le ridicule, les costumes de figures tutélaires nationales. Au sein d’un univers visuel fort à la limite du kitsch, il pose des questions éminemment actuelles. Où se situe la frontière entre être fier de son pays et être nationaliste ? À qui appartient le patrimoine culturel et qui a le droit de se l’approprier ? À quel point les emblèmes nationaux sont-ils gravés dans le marbre ? Enfin, quels symboles ou images sont à même de représenter une nation et qui en décide ? En prenant l’exemple de la Suède, Peter Johansson prescrit à chacun d’entre nous une thérapie nationale et nous incite à réfléchir aux différentes images d’un pays et à ce qui se cache derrière.
Exposition Thérapie nationale
15.11.2019 – 01.03.2020
Mercredi – dimanche / 12:00 – 18:00
En partenariat avec Nationalmuseum et avec le soutien de Swedish Art Council.
Institut suédois
11 rue Payenne
75003 Paris
+33 (0)1 44 78 80 20
www.institutsuedois.fr
Photos
Gauche : Thérapie nationale par Peter Johansson Photo ©Jan Berg
Droite : Korvfest, Peter Johansson et Lasse Åberg, 2014, Photo ©Matti Östling
Jusqu’au 8 décembre 2019, la Galerie GADCOLLECTION consacre une exposition à un des maîtres de la photographie : Douglas KIRKLAND. À travers une sélection de 15 photographies jamais montrées en France, My LOVES offre une échappée au cœur du monde des femmes qui ont croisé la vie de ce photographe exceptionnel…
4 rue du pont Louis-Philippe, 75004 PARIS
Mardi – Vendredi : 14h00 – 19h00
Samedi – Dimanche : 14h30 – 19h00
Metro : Hôtel de Ville, Saint-Paul, Pont Marie.
Bus : 67 / 69 / 70 / 72 / 74 / 75 / 76 / 96
Parking : Pont Marie ou Hôtel de Ville
Tel : +33 1 43 70 72 59 / +33 6 86 08 32 20
https://www.gadcollection.com/en/44-douglas-kirkland
info@gadcollection.com
À travers cette nouvelle exposition, MIKA (Né en 1983 en Alsace, MIKA est un artiste qui vit et travaille à Bordeaux. Menuisier de formation, en passant par les arts plastiques et appliqués, il est aujourd’hui artiste, graphiste et illustrateur. Il a réalisé de nombreuses œuvres urbaines lors de ses périples autour du monde et, plus récemment, à Bordeaux et ses alentours) dévoilera une vingtaine de nouvelles œuvres sur toile ou sur bois, mettant en scène ses emblématiques personnages disproportionnés au regard songeur. Son bestiaire cohabitera avec les portraits, dans lesquels il cherche à garder la dynamique qu’il trouve dans ses croquis. Les œuvres réalisées d’un geste vif et instinctif, vous ramènerons peut-être à votre instinct naturel.
Exposition Instincts de MIKA
Espace de La Boétie.
Du 28 mai au 08 septembre 2019 – Vernissage le mardi 28 mai, à 18h30
Horaires d’ouverture:
Du vendredi au dimanche : 13h-18h
Visite privée sur rendez-vous / Plein tarif : 8 euros / Tarif réduit : 6 euros
Gratuit pour les – 12 ans, demandeurs d’emploi et tous les premiers dimanches du mois
Je n’oblige personne à aimer ma peinture mais qu’on me colle pas des étiquettes. Par exemple : – peinture dénonciatrice.- agressivité sans bornes ou alors, on dit aussi ça m’étonne pas avec son passé concentrationnaire. La plupart de ce qu’on a écrit sur moi, c’est du bidon – Maryan, 1976 (extrait)
Patricia Dorfmann et Lucas Djaou sont heureux d’accueillir une exposition de MARYAN (Pinchas Burstein) artiste au destin hors du commun dont l’oeuvre est encore mal connue du grand public. La galerie poursuit ainsi sa politique engagée depuis sa création en 1990. Elle confirme son intérêt pour le travail d’artistes émergents, historiques ou inédits, à découvrir ou à redécouvrir, représentatif des derniers états de la recherche dans le domaine de l’art contemporain.
Cette exposition réunit une vingtaine d’oeuvres exceptionnelles, sur toile et sur papier réalisées par l’artiste aux États- Unis dans les années 70 lors de sa période dite « américaine».
L’oeuvre de Maryan évolue selon ses déplacements. Après-guerre, il est contraint de quitter sa Pologne natale. En 1947, il se rend à Jérusalem puis Paris et enfin New York au début des années 60, où il finira ses jours prématurément. Entre l’abstraction et la figuration des débuts à son goût prononcé pour le grotesque avec ses «Personnages » clownesques aux rires désespérés, aux couleurs vives, il déploie une oeuvre provocante et contrastée. Cette sorte de Commedia dell’arte aux allures Pop semble être un exorcisme à la destinée
tragique de l’artiste, à ses blessures inguérissables. Cette exposition est à l’origine de la passion commune de Patricia Dorfmann et Lucas Djaou pour l’oeuvre de Maryan. Elle s’est construite au gré de leurs échanges artistiques et amicaux.
Vernissage : jeudi 2 mai de 17h à 20h
Exposition : 3 mai – 8 juin 2019
Directrice de la galerie Patricia Dorfmann
Commissariat d’exposition & direction artistique Lucas Djaou
Scénographie Patricia Dorfmann & Lucas Djaou
Galerie Patricia Dorfmann
61 Rue de la Verrerie, 75004 Paris
https://www.patriciadorfmann.com
Illustration : Sans titre
Année de production : 1974
Acrylique sur toile
Dimensions : 70 cm de diamètre
Signé et daté en bas à gauche – Oeuvre unique
Illustration : Personnage
Année de production : 1975
Huile sur toile
Dimensions : 91 x 91 cm
Signé et daté en bas à droite – Œuvre unique – Collection privée (F)
Pour sa première exposition personnelle en France, l’artiste portugais ADD FUEL investira entièrement l’espace de la Galerie Itinerrance.
En parallèle, l’artiste réalisera du 1er au 8 avril une fresque monumentale qui marquera la poursuite du projet Boulevard Paris 13, un parcours de fresques murales issu d’une collaboration entre la mairie du 13ème arrondissement et la Galerie Itinerrance. Dans le cadre de ce projet des artistes de renommée internationale, issus du street art et réalisant des fresques murales monumentales, ont participé à la création d’un musée à ciel ouvert sur le Boulevard Vincent Auriol. L’objectif sous-jacent de ce projet est d’initier le public aux pratiques artistiques actuelles et d’apporter au 13ème arrondissement non seulement un rayonnement international mais aussi une véritable dimension artistique et culturelle, en offrant aux artistes globetrotteurs un support et un lieu d’expression.
GALERIE ITINERRANCE
www.itinerrance.fr
LA MAISON RUINART DÉVOILE L’EXPOSITION SHARED ROOTS SUITE À LA RÉSIDENCE ARTISTIQUE DE VIK MUNIZ (Depuis 15 mars 2019 au Palais Brongniart).
Chaque année, la Maison Ruinart donne carte blanche à un artiste de renom. Une manière de partager son patrimoine, son histoire et son savoir-faire à travers la vision d’artistes qui l’expriment d’une manière créative avec leur medium.
En 2019, la Maison Ruinart a choisi de collaborer avec Vik Muniz, un artiste dont les œuvres interrogent en continu notre rapport à la réalité et à notre champ mémoriel. Vik Muniz a longuement observé et pensé avant d’emprunter le chemin de la création lors de sa résidence artistique à Reims. À travers ses œuvres, il cherche à exprimer ce qui lui semble indicible par le langage. Pour lui, l’exceptionnel naît au cœur de la complexité et le flux créatif en est la meilleure représentation.
Le 15 mars 2019, l’exposition Shared Roots a été dévoilée en avant-première au grand public dans l’enceinte du Palais Brongniart. Les œuvres sont depuis exposées sur les grilles de la Bourse, jusqu’au 16 Avril 2019.
Palais Brongniart
16 place de la Bourse 75002 Paris
Métro Bourse
/www.ruinart.com
Du 22 mars au 9 septembre 2019, le Musée Guggenheim de Bilbao présente avec Jenny Holzer : L’indescriptible la plus exhaustive sélection d’œuvres encore jamais réunie à ce jour sur le travail de cette artiste nord-américaine de premier plan, née en 1950.
Depuis plus de quarante ans, Jenny Holzer exprime avec force ses idées et ses prises de positions aussi bien dans des espaces publics (Times Square, New York) qu’au sein d’institutions internationales (Biennale de Venise, Musée Guggenheim de New York, Whitney Museum of American Art, Louvre Abu Dhabi).
La matière première de son travail est le texte, qu’il soit apposé sur des t-shirts, des plaques ou des panneaux électroniques. Elle y aborde des sujets et des thèmes dénonçant l’ignorance et la violence, souvent avec humour, compassion et courage.
La carrière de Jenny Holzer débute dans les années 70 avec une série d’affiches placardées dans les rues de New York. Ses plus récentes productions comprennent des projections lumineuses sur des paysages et des architectures.
Pensée en collaboration avec l’artiste, l’exposition réunit des installations spécialement conçues pour interagir avec l’architecture de Frank Gehry ; ses fameuses séries Truismes (Truisms) ou Essais incendiaires (Inflammatory Essays), présentées en cinq langues ; des plaques en bronze coulé ; des panneaux en métal émaillé ; des bancs et des sarcophages en pierre recouverts d’inscriptions ; des peintures à l’huile et des aquarelles sur documents officiels en relation avec les événements du 11 septembre 2001 à New York. De même, de nouveaux dispositifs robotisés spécialement conçus pour l’exposition, animent les panneaux électroniques de l’artiste dont les textes en défilement continu viennent parfois éclairer des ossements humains. Des dessins, des objets et des souvenirs provenant des archives de l’artiste viennent compléter cette présentation et l’exposition comprend également une collection d’œuvres sur papier et de sculptures réalisées par des artistes qui ont influencé le travail d’Holzer : Rosa Bonheur, Paul Klee, Louise Bourgeois, Paul Thek, Charles Burchfield, Kiki Smith, Lee Lozano et Nancy Spero, entre autres.
JENNY HOLZER – L’INDESCRIPTIBLE
MUSÉE GUGGENHEIM BILBAO (22 MARS – 9 SEPTEMBRE 2019)
Commissaire d’exposition : Petra Joos en collaboration avec l’artiste
« La chair que l’on montre aux curieux » réunit les travaux pluridisciplinaires d’artistes contemporains émergents. Au seuil du réel et de l’imaginaire, le corps surréaliste et hybride est mis à l’honneur sous toutes ses formes.
Exposition du 29 mars au 07 Avril 2019
Ouverture du mardi au dimanche de 13h00 à 20h00
Métro Châtelet
Le jeudi 28 février, l’Association des Créateurs de Mode d’Espagne (ACME) organise la V édition de l’exposition “Made in Spain: la mode au delà des frontières” à la résidence de l’ambassadeur d’Espagne à Paris.
Paris, capitale mondiale de la mode, accueille de nouveau, à l’occasion de cet évènement, une sélection des pièces les plus représentatives des collections printemps-été 2019 et automne-hiver 2019-2020 des créateurs espagnols les plus prestigieux, que nous avons vu défiler à la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, à la 080 Barcelona Fashion, à la New York Fashion Week et à la London Fashion Week. Cette initiative compte sur la participation de quarante-neuf marques espagnoles.
Des créateurs comme Agatha Ruiz de la Prada, Teresa Helbig, Juana Martin, Rosa Tous, Maria La Fuente, Oteyza seront personnellement présents. Cette année l’exposition à l’honneur d’être parrainée par l’actrice Rossy de Palma.
Jeudi 28 février à partir de 18h30
Résidence de l’Ambassade d’Espagne
15 avenue Georges V – 75 008 Paris
Jusqu’au 21 avril 2019, Greater Palm Springs et ses déserts se transforment en une exposition d’art contemporain géante. Gratuite et ouverte au public, cette exposition d’art contemporain est organisée par Neville Wakefield secondé par Amanda Hunt et Matthew Schum. A cette occasion, les paysages désertiques ont été transformés en 19 lieux de performances artistiques réalisés par des artistes contemporains internationaux des plus reconnus.
Desert X accueille cette année de grands noms comme : Ivan Argote, Steve Badgett, Chris Taylor, Nancy Baker Cahill, Cecilia Bengolea, Pia Camil, John Gerrard, Julian Hoeber, Jenny Holzer, Iman Issa, Mary Kelly, Armando Lerma, Eric N. Mack, Cinthia Marcelle, Cara Romero, Postcommodity, Sterling Ruby, Katthleen Ryan, Gary Simmons et Superflex.
Desert X 2019 se veut être LE rendez-vous de l’art contemporain qui allie l’art post institutionnel et l’interactivité avec ses visiteurs. Une découverte possible grâce aux nouveaux supports qui viennent compléter les outils de l’édition de 2017. Desert X 2019 ajoute en effet, et pour le plaisir de ses visiteurs, des projets de films et des œuvres évolutives à découvrir sur une cinquantaine de kilomètres dans la vallée de Coachella et au-delà vers le sud, vers Salton Sea et jusqu’aux portes de la frontière mexicaine.
Autre événement à ne pas rater du 1er au 3 mars, sur l’ensemble des sites de l’exposition et au théâtre Annenberg, Desert X et le musée d’Art de Palm Springs célébreront l’art et l’environnement. Une série de performances, expositions, visites et débats autour de la crise climatique mettront en lumière l’exposition Unsettled, le Sunnylands Center & Gardens ainsi que la Fondation Desert Sun and Gannett.
www.desertx.org – www.visitgreaterpalmsprings.com
L’hôtel Jules & Jim accueille l’exposition « Inside Japan » de Roberto Badin du 25 janvier au 3 mars 2019. « Inside Japan » brise les clichés, à mi-chemin entre tradition et modernité, à découvrir du 25 janvier au 3 mars 2019.
Chaque photographie est empreinte d’une précision horlogère. Un regard net. La parfaite maîtrise des cadrages et de la lumière naturelle servent une narration rigoureuse. Malgré la foule des mégapoles japonaises, Roberto Badin capture un quotidien calme, vrai, serein, intime et silencieux. Parfois solitaire. « Inside Japan » est sa première exposition solo extraite du livre éponyme, édité par Benjamin Blanck, éditeur indépendant de livres d’art et de photographies.
INSIDE JAPAN ROBERTO BADIN
Exposition photographique du 25 janvier au 3 mars 2019
La galerie de l’hôtel Jules & Jim est ouverte tous les jours de 10h à 23h.
Hôtel Jules & Jim
11, rue des Gravilliers – 75003 Paris
contact@hoteljulesetjim.com
www.hoteljulesetjim.com
Instagram : @hoteljulesetjim
Carré Black Box invite le grand public à son exposition Black Queens du 24 au 27 janvier au REMIX, 12 rue des Fontaines du Temple 75003 Paris. Cette exposition met en avant la beauté de la femme noire et rend hommage aux reines, légendes, mythes de l’Afrique.
Marraine de l’événement, La Princesse Esther Kamatari, (Princesse du Burundi, première mannequin noire en France, et figure emblématique dans la lutte en faveur des droits des femmes et des enfants) a souhaité à travers ces oeuvres d’art, exposer l’Afrique belle, inspirante et généreuse.
Cette exposition a aussi une forte dimension caritative, en effet les tableaux ainsi que le calendrier CBBOX2019 seront disponibles à la vente. Les dons récoltés lors de ce vernissage seront reversés au Centre Niali de Gao au Mali (association A.S.F.E.D) qui offre un cadre, éduque les enfants orphelins et donne une aide significative aux familles en difficulté.
DROIT D’ENTRÉE : un jouet sans pile ou un jeu collectif éducatif résistant pour les orphelins de GAO (MALI)
Entrée gratuite mais sur inscription au préalable : https://www.eventbrite.com/e/exposition-black-queens-tickets-55014932143
Des manuscrits d’exception, rédigés dans des situations extrêmes et qui en conservent les traces physiques, constituent la matière de cette exposition de la BnF : encres de sang et papiers d’infortune disent avec intensité le désespoir, la folie ou la passion de leurs auteurs, personnalités célèbres ou inconnues.
Feuillets et notes d’André Chénier, Napoléon Ier, Alfred Dreyfus, Guillaume Apollinaire ou Nathalie Sarraute y côtoient les mots d’anonymes, simples soldats, prisonniers, hommes et femmes ordinaires. D’autant plus précieux qu’ils ont parfois été soumis à des conditions de conservation difficiles, ces « manuscrits de l’extrême » font résonner jusqu’à nous les voix de destins hors-norme. Un propos sensible et encore jamais tenu dans une exposition.
« Mais je garde mon crayon et mon carnet que je défends au péril de ma vie. Ce petit carnet qui contient là une preuve de ma triste vie. » Anonyme, Carnet noir de l’Occupation.
Qu’il s’agisse d’une lettre écrite en1639 sur une écorce de bouleau, faute de papier, par un missionnaire au Canada, des derniers mots d’André Chénier avant d’être guillotiné, du journal de Marie Curie après le décès de son mari, de l’inscription portée par un détenu sous l’assise d’une chaise de la Gestapo ou de lettres d’Antonin Artaud, la valeur patrimoniale de ces textes réside en ce qu’ils offrent les souvenirs palpables d’histoires individuelles ou collectives extraordinaires. Dépositaires d’émotions non contenues, de sentiments pris sur le vif, ces billets, notes et lettres, rédigés souvent dans l’urgence, expriment ce que les manuels d’histoire ou les ouvrages critiques ne peuvent restituer : la façon dont des événements susceptibles de faire vaciller une existence ont été vécus de l’intérieur.
L’exposition s’organise selon quatre thèmes – prison, passion, péril, possession – quatre P qui évoquent ici les situations les plus difficiles auxquelles un être humain puisse être confronté. Au-delà des différences de circonstances dans lesquelles ces écrits ont été produits, tous témoignent d’une confiance désespérée dans les mots pour soutenir ce qui reste de vie encore possible quand tout, autour, vient l’infirmer.
L’exposition présente aussi bien des textes de personnalités ou d’écrivains célèbres, parmi lesquels Pascal, Sade, Marie -Antoinette, Auguste Blanqui, Stéphane Mallarmé, Henri Michaux, ou encore Marie Curie, Antonin Artaud, Arthur Adamov, Germaine Tillion et Jean-Dominique Bauby, que ceux d’inconnus ayant traversé des épreuves similaires. S’ils peuvent faire sens en tant qu’œuvre littéraire, les mots sont ici surtout une tentative désespérée de dire l’indicible. Ils sont l’expression de ce qui est véritablement en jeu pour un être humain, dans une guerre comme dans un hospice, dans toutes les
épreuves qui menacent son humanité même : sa propre survie.
Exposition Manuscrits de l’extrême Prison, passion, péril, possession
9 avril – 7 juillet 2019
Galerie 1
BnF – François-Mitterrand
Quai François Mauriac, Paris XIIIe
Du mardi au samedi 10h > 19h Dimanche 13h > 19h Fermeture les lundis et jours fériés
Réservations FNAC au 0892 684 694 (0,34 euros TTC/min) et sur www.fnac.com
Commissariat : Laurence Le Bras, conservateur, département des Manuscrits, BnF
Publication : Manuscrits de l’extrême. Prison, passion, péril, possession 92 pages, 100 illustrations
Éditions de la BnF
Illustration : Alfred Dreyfus. Souvenirs.XIXe-XXe s. IMon journal.années 1895-1896
A l’occasion de son dixième anniversaire, la Cité de la dentelle et de la mode propose une carte-blanche au créateur belge Olivier Theyskens qui, dans une exposition originale, se livre à une rêverie dont le vêtement est l’acteur principal. Proposition esthétique inédite, conçue comme une expérience émotionnelle, « In praesentia » est un projet construit par fragments et par collisions, inspiré par un dialogue créatif entre l’oeuvre singulière d’Olivier Theyskens et les collections historiques, textiles et industrielles du musée…
Le regard du créateur fouille, scrute, sonde, se déplace de l’un à l’autre : un pli particulier, une association inattendue de couleurs, un détail infime, un monogramme brodé, le bruissement d’une étoffe, le monde sombre de l’atelier recouvert de poussière de graphite, la fragilité, la délicatesse des arabesques de dentelle qu’il fait naître. Des univers s’entrechoquent, se répondent, se fondent, se complètent par enchantement, ravissement. Le musée devient alors lieu de création, matrice qui fait éclore de nouvelles associations, suscite des scénarios inédits, autant de scènes poétiques restituant une présence à des objets oubliés ou délaissés, à la gloire éphémère passée, témoins de vies minuscules, riches trésors de la mémoire collective.
Olivier Theyskens, «In praesentia»
http://www.cite-dentelle.fr
Cité de la dentelle et de la mode Calais
135 Quai du Commerce, 62100 Calais
15 juin 2019 – 13 janvier 2020
Sans titre (2016) présente « Léopoldine », une exposition de groupe avec les travaux de : Evgeny Antufiev, Hélène Bertin, Robert Brambora, Clémentine Bruno & Ruyin Nabizadeh, Beth Collar, Lucile Littot, Lindsey Mendick, Wobbe Micha, Ron Nagle, Anousha Payne, Paloma Proudfoot, Real Madrid & Kasia Fudakowski, Lukas Thaler, Tom Volkaert.
Reprise le 8 janvier 2019, tous les jours du mardi au samedi de 11h à 19h.
https://www.sanstitre2016.com
24 rue de Liège
75008 Paris
Sonner à Sans titre (2016),
1er étage gauche.
Exposé pour la première fois à Paris, l’artiste autrichien Erwin Redl installe au coeur des 400m2 de la Fondation EDF son oeuvre lumineuse monumentale: Light Matters. Un oeuvre à dimension quasi-architecturale sur deux étages, composée de milliers de LED programmables de couleur bleu et rouge, qui traduisent les états émotionnels des visiteurs qui la traverse. Conçu comme un labyrinthe, Light Matters invite à pénétrer et expérimenter un univers numérique sensible, jouant entre la matière et la lumière, le réel et virtuel. Avec cette installation qui s’inscrit dans la série MATRIX (États-Unis, Autriche, Italie, Allemagne, Corée du sud…) Erwin Redl traduit dans l’espace physique le langage esthétique abstrait de la réalité virtuelle et de la modélisation 3D, structurant un environnement architectural par de grandes installations lumineuses.
Erwin Redl est dejà à l’origine d’installations aux proportions quasi architecturales et notamment au Madison Square Park à New-York avec une immense installation lumineuse « Whiteout » . L’œuvre incorporait des centaines de sphères blanches en suspensions formant un tapis blanc lumineux sur toute la pelouse centrale du parc.
Jusqu’au 3 février 2019
Fondation Groupe EDF
6, rue Récamier – 75007 Paris
M° Sèvres-Babylone
Entrée libre du mardi au dimanche
12h-19h (sauf jours fériés)
Tél. : 01 40 42 35 35
fondation.edf.com
#LightMatters
Pour la première fois en France, une grande exposition rend hommage à l’art méconnu de la vannerie japonaise en bambou. L’occasion de découvrir près de 200 oeuvres anciennes et contemporaines à la beauté poétique, destinées à l’origine à la décoration florale de la cérémonie du thé.
L’histoire de cet art typiquement japonais est mal connue en Occident : si plusieurs musées américains présentent de façon permanente quelques exemples de ces oeuvres spectaculaires, les collections publiques sont limitées en Europe comme au Japon. Le musée du quai Branly – Jacques Chirac est fier d’avoir pu rassembler dans une exposition inédite, le plus grand ensemble de pièces jamais montré en Europe, à l’occasion d’une année culturelle où les arts japonais sont particulièrement célébrés en France.
Exposition jusqu’au 7 avril 2019
Mezzanine Est
Commissariat : Stéphane Martin, président du musée du quai Branly – Jacques Chirac
37 Quai Branly, 75007 Paris
www.quaibranly.fr
Illustration: Vannerie pour l’ikebana, MORIGAMI Jin (né en 1955), © musée du quai Branly – Jacques Chirac, photo Tadayuki Minamoto
L’artiste M. Chat nous propose, dans cette nouvelle exposition (jusqu’au 12 janvier 2019), de découvrir l’influence et l’importante de la culture classique dans son œuvre.
La profondeur de la réflexion qui sous-tend son travail est révélée grâce à la transfiguration de ses modèles privilégiés, chats volants ou souriants, en les mettant en scène dans des environnements inspirés et hérités de l’iconographie médiévale. Le support de ses nouvelles œuvres, résolument urbain, imite les murs parisiens et les éléments qui les habitent (tuyaux, bouches d’aération, compteurs électriques…).
LaGalerie Brugier-Rigail (40 rue Volta – 75003 Paris) est ouverte du mardi au samedi de 11h à 19h30 et sera exceptionnellement fermée du 24 décembre au 2 janvier 2019 www.galerie-brugier-rigail.com
Pour leur troisième collaboration avec la Secret Gallery, The French Art Dealeuses nous invite à découvrir l’exposition WONDERLAND jusqu’au 12 Janvier 2019, qui puise sa narration dans la fantaisie, les souvenirs de notre imaginaire d’enfant, les super héros et personnages de fiction .
Orchestrée par Audrey Hatchikian, art curator, elle met en scène l’exposition dans une atmosphère colorée, ingénue et joyeuse . WONDERLAND, ou le pays des merveilles interprété par des artistes d’art contemporain et de design. A l’approche de Noël, cette exposition inspire un tendre sentiment de nostalgie, une bouffée de gaieté et une douce atmosphère poétique.
L’exposition WONDERLAND, présente les oeuvres émouvantes et éclatantes de Jaouad Bentama, artiste installé à New York depuis 6 ans. Il travaille la peinture mixée à des compositions d’objets que l’artiste collecte au fil des de ses rencontres. Des tableaux flamboyants et colorés, à l’apparente légèreté, qui racontent l’utopie de l’enfance et l’espoir. Issu du monde du Graffiti des années 80, Sade One évolue aux côtés des plus grands avant de suivre son propre chemin. De l’hardcore bombing au fresques murales, ils présentent aujourd’hui des oeuvres ludiques et aux mille et une facettes. WONDERLAND, c’est aussi les tableaux de lumières quasi hypnotiques d’Emmanuelle Rybojad, véritable fée de la couleur.
Secret Gallery
19 Rue de Varenne, 75007 Paris
T. 06 80 38 90 14
contact@thefrenchartdealeuses.com
facebook.com/thefrenchartdealeuses
Du mardi au samedi de 11h à 19h
les lundis et dimanches sur rendez-vous
Métro Ligne 10 ou 12 – Rue du Bac ou Sèvres
Babylone Parking Le Bon Marché
TheArtpark est un nouveau lieu d’expression artistique dédié à la scène internationale, mais totalement enracinée dans le sol floridien. Il vise à combiner cette esthétique, cette diversité et cette curiosité qui est une caractéristique prégnante de cette ville, Miami, terrain propice à l’expérimentation, qui est également l’une des ambitions principales de TheArtpark. L’exposition inaugurale ouvrira ainsi un dialogue entre les stars du marché de l’art et des noms plus confidentiels, ouvrant de nouvelles voies à tout amateur, collectionneur ou découvreur de talents, partout dans le monde, d’une mobilité sans relâche… que ce soit que ce soit physique ou intellectuel.
Hyper Mobility, a group exhibition featuring works by the artists: Iván Argote, Daniel Arsham, Coco Capitán, Mathieu Cesar, Blair Chivers, Wim Delvoye, Gregor Hildebrandt, Richard Jackson, Martin Kersels, Arielle Pytka, Ami Sioux, Frances Wilks, Skylar Williams, Pharrell Williams, and a project Trinidad with Adel Abdessemed, Gianni Motti and Frank Perrin.
TheArtpark, 4141 NE 2nd Ave, Miami.
Exhibition: December 7-31, 2018
https://theartpark-miami.com
@theartparkmiami #theartparkmiami
L’exposition « Michael Jackson : On the Wall » du 23 novembre 2018 au 4 février 2019 au Grand Palais à Paris rassemble les œuvres de plus de 40 artistes, issues de collections publiques et privées du monde entier mais également réalisées spécialement pour l’occasion. Cette exposition ne met pas seulement en lumière les raisons pour lesquelles tant d’artistes ont été inspirés par Michael Jackson, mais également l’influence que le roi de la pop continue d’exercer dans l’imaginaire collectif en tant que figure culturelle majeure.
La sélection comprend des œuvres des artistes contemporains les plus importants ainsi que d’artistes émergents. Rita Ackerman, Dara Birnbaum, Candice Breitz, Mark Flood, Isa Genzken, Gary Hume, David LaChapelle, Paul MacCarthy, Catherine Opie, Andy Warhol ….
Grand Palais
https://www.grandpalais.fr/fr
3 Avenue du Général Eisenhower
75008 Paris
Rendez-vous ce Dimanche 12 Juillet à partir de 18h sur l’esplanade du port de l’Arsenal, Place de la Bastille à Paris pour découvrir une installation inédite de photos tirées de leur livre « De Paris ». (suite…)
Cette exposition présentera pour la première fois en France, une vaste sélection de ses œuvres, provenant de la collection personnelle de l’artiste et mettra en lumière l’extraordinaire diversité de ses projets depuis ses débuts avec Marvel jusqu’à ses travaux les plus récents sur Flash Gordon et Green Hornet. (…) lire la suite onela.eu
Du 16 mai au 21 juin prochains, le papetier italien Fabriano investit le somptueux hôtel de Galliffet, siège de l’Institut Culturel Italien de Paris, pour célébrer en France l’anniversaire de ses 750 ans. L’exposition, à la fois historique, technique et artistique, met en évidence l’évolution entre la fabrication ancienne et traditionnelle du papier et la production moderne jusqu’à aujourd’hui.
L’Institut Culturel Italien invite également le public à des activités participatives autour des papiers. Des médiateurs spécialisés accueillent les visiteurs gratuitement (sur réservation) pour des ateliers de découverte de la fabrication du papier, de la gravure, de l’aquarelle, de la calligraphie et des techniques de dessin ; une session « Bambino » est spécialement organisée pour les enfants le mercredi 21 mai.
FABRIANO, MAÎTRE PAPETIER DEPUIS 750 ANS
ARTISTES, TECHNOLOGIES ET HISTOIRES EXTRAORDINAIRES
EXPOSITION / DU 16|05|2014 AU 21|06|2014 • 10h-13h et 15h-18h Tous les jours sauf les samedis 24 et 31 mai, dimanches et jours fériés • Entrée libre
SEMAINE DU PAPIER / DU 16|05|2014 AU 23|05|2014 • Ateliers de fabrication de papier à la main, aquarelle, calligraphie et gravure d’art, proposés gratuitement sur réservation via la page facebook ou au 01 49 52 14 55 (matériel fourni)
INSTITUT CULTUREL ITALIEN DE PARIS / 73, rue de Grenelle Paris 7e • 01 44 39 49 39 • métro Rue du Bac
Commissariat croisé Didier Queneutte, Bibliothèque de Bordeaux Bertrand Grimault, Association Monoquini Première rétrospective consacrée aux éditions Hors Œil et au parcours de François Lagarde, éditeur et photographe. Une exposition, des conférences, des concerts, des projections donneront un aperçu de leur travail multiforme et passionné, entre portraits photographiques et filmiques d’artistes et » compagnons de route « , explorations philosophiques, musique improvisée et innovations esthétiques. Bibliothèque Mériadeck
Londres, 1958. Thomas Foley dispose d’une certaine ancienneté au ministère de l’Information quand on vient lui proposer de participer à un événement historique, l’Exposition universelle, qui doit se tenir cette année-là à Bruxelles. Il devra y superviser la construction du Pavillon britannique et veiller à la bonne tenue d’un pub, Le Britannia, censé incarner la culture de son pays. Le jeune Foley, alors qu’il vient de devenir père, est séduit par cette proposition exotique, et Sylvia, son épouse, ne voit pas son départ d’un très bon œil. Elle fera toutefois bonne figure, et la correspondance qu’ils échangeront viendra entrecouper le récit des nombreuses péripéties qui attendent notre héros au pays du roi Baudouin, où il est très vite rejoint par de savoureux personnages : Chersky, un journaliste russe qui pose des questions à la manière du KGB, Tony, le scientifique anglais responsable d’une machine, la ZETA, qui pourrait faire avancer la technologie du nucléaire, Anneke, enfin, l’hôtesse belge qui va devenir sa garde rapprochée…
Coe embarque le lecteur dans une histoire pleine de rebondissements, sans que jamais la tension ne retombe ou que le ridicule ne l’emporte. Sous la forme d’une parodie de roman d’espionnage, il médite sur le sens de nos existences et dresse le portrait d’un monde disparu, l’Angleterre des années 1950, une société tiraillée entre une certaine attirance pour la liberté que semble offrir la modernité et un attachement viscéral aux convenances et aux traditions en place. Josée Kamoun (Traduction) Amazon
Soho, Meatpacking district, Venice beach… Cette expo est un « road trip » à travers les Etats Unis où s’entrechoquent les marques emblématiques de la consommation de masse. SUPERMARKET SAFARI Velvet galerie, 11 rue Guénégaud, 75006, Paris. Du mardi au samdi 14h / 19h VERNISSAGE JEUDI 13 MARS velvet-galerie.com Smile with Nile
copyright Zoe Forget/HEY ! modern art & pop culture part 2/musée de la halle Saint Pierre , Paris 2013
